Programa — XXVII Congreso Internacional de Ecuatorianistas

La denominación popular de que el habla de los peninsulares de Santa Elena "suena cantadita" constituye una percepción sociolingüística reconocida en la Costa ecuatoriana, pero escasamente documentada. Esta ponencia propone que dicha percepción no es un rasgo anecdótico sino una memoria sonora que preserva la vitalidad identitaria del pueblo guancavilca frente a los procesos de homogeneización y al geosocioracismo que históricamente ha minorizado las variedades costeras. A partir de un estudio de fonética experimental con hablantes nativos de zonas urbanas y rurales de Santa Elena, se caracterizan los patrones prosódicos (entonación, ritmo y variación del tono fundamental) mediante análisis acústico asistido con software especializado. El corpus, compuesto por relatos de experiencia personal, se triangula con discursos metalingüísticos de los hablantes, permitiendo contrastar la percepción del "cantadito" con datos empíricos verificables. Los resultados revelan rangos tonales y métricas rítmicas diferenciados, lo que permite argumentar que estos rasgos prosódicos funcionan como manifestaciones de agencia lingüística y producción cultural. La voz guancavilca se presenta así no como un desvío de la norma, sino como una forma de habitar, resistir y transmitir memoria desde el territorio en el Ecuador contemporáneo.

Si bien en los estudios sobre tecnologías ancestrales se ha dado prioridad a las funciones que estas cumplen para resolver problemas de supervivencia de las poblaciones locales, poco se han analizado sus repercusiones existenciales en la calidad de vida y en la producción cultural de las comunidades. En este texto nos proponemos resaltar cómo los sistemas de agua ancestrales denominados jagüeyes o albarradas, en la costa de Ecuador, aportan al equilibrio psicológico de las personas al establecer una relación emocional que trasciende la utilidad técnica. Estos humedales artificiales funcionan como espacios de interacción social y de introspección personal donde los conocimientos prácticos y sensitivos se entrelazan. Entendemos los jagüeyes como paisajes construidos y archivos de memoria reivindicados hoy como elementos fundamentales de identidad. Los testimonios reflejan que la relación con el conjunto de seres humanos y no-humanos —incluyendo concepciones sobre potencias sobrenaturales como los duendes que protegen el espacio común— provoca estados de bienestar y convivencia armoniosa. La percepción social de estos sistemas supera la visión dualista sociedad-naturaleza para incorporarse en marcos de sensibilidad y creencias propias. De este modo, las albarradas se consolidan como espacios de producción cultural viva, donde el patrimonio inmaterial y la gestión del entorno configuran respuestas contemporáneas a las necesidades de bienestar en el Ecuador actual.

Inscrita en la sociogeolingüística crítica, esta presentación parte del análisis del lexema cholo (del kichwa chulu 'mezclado') con el fin de escudriñar algunas de las ideologías sociolingüísticas asociadas con dicho término que, como veremos, opera simultáneamente como categoría histórica de racialización y subordinación y como índice social de pertenencia y emblema de reivindicación. Tras contextualizar brevemente el área de estudio y la metodología utilizada, la presentación se focaliza en la tríada conceptual: geosocioracismo, transracialización y reindigenización estratégica. Se muestra a lo largo del análisis como un término usado con valor peyorativo -cholo- se resignifica transformándose en bandera de lucha, resistencia, reclamación y justicia epistémica de todo un pueblo, frente a la invisibilidad oficial. El análisis considera los desplazamientos semántico-pragmático-discursivos de la palabra, así como las actitudes que lo acompañan, condensando procesos históricos de racialización, dinámicas contemporáneas de movilidad social y estrategias de resistencia convertidas en actos sociopolíticos transformadores que reconfiguran la identidad y los derechos del Pueblo Cholo en un Ecuador en permanente (de)construcción.

Voces que rehúsan volverse silencio es una instalación performativa y un gesto político que toma como punto de partida la experiencia coral de adultos mayores como resistencia activa frente al silenciamiento al que son condenados por una sociedad que mide la vida en términos de productividad y rendimiento. A través de la voz cantada, este proyecto colectivo subvierte la narrativa de la obsolescencia y propone un archivo vivo de memoria, afecto y subjetividad. La propuesta se inscribe en el marco curatorial de fragmentar la obsolescencia desde una dimensión poética, tecnológica y corporal. Se articula con la teoría de la bolsa de transporte de Elizabeth Fisher, desarrollada por Ursula K. Le Guin, al revalorar las prácticas de recolección y cuidado como formas originarias de cultura. Así como esa bolsa primigenia contenía raíces y frutos, aquí se presentan voces, historias y objetos que los coralistas han recogido a lo largo de sus vidas, compartiéndolos no como reliquias, sino como herramientas activas de transmisión y sentido.

Experiencia del proyecto ProMujeres trabajado con madres y familias de personas migrantes y su paso en albergues de Guayaquil, Quito y Huaquillas. La investigación da cuenta de aspectos relacionados con derechos humanos para la eliminación de violencia de género.

Experiencia territorial con mujeres y hombres guayaquileños que lideran procesos en sus comunidades para generar vínculos de cuidado y confianza, además de la capacidad para llegar a acuerdos y organizarse.

El presente trabajo ofrece una interpretación transdisciplinaria de las inequidades sociales y su impacto directo en la salud del pueblo afrodescendiente. A través de un análisis crítico y etnohistórico, el estudio examina el origen de la afrodescendencia y su devenir geohistórico mundial, abordando cómo los movimientos migratorios libres y forzados explican el lento proceso de transformación biosocial de este grupo. El marco teórico se sustenta en la genética y en la reinterpretación cultural que el ser humano ha generado a través de los siglos sobre su propia existencia. Plantea desde un punto de vista crítico la relación hegemónica de grupos humanos que asumen superioridad sobre otros sin reconocer los valores auténticos de la diversidad. Metodológicamente, la investigación cruza variables socio-antropológicas y de salud pública para evidenciar cómo las condiciones de exclusión y pobreza (cultualmente creadas) actúan como determinantes sociales que impactan severamente en la condición de salud y de vida de esta población. La marginación excluye a los pueblos originarios y afrodescendientes e invisibiliza sus necesidades más básicas, así como desconoce o desprecia sus conocimientos ancestrales generando un desequilibrio integral (bio-psico-social, espiritual y ecológico) que niega sus derechos fundamentales de acceso al agua, al alimento, a la educación de calidad, a un empleo digno y a la salud.

En un contexto contemporáneo donde la sobreabundancia de la imagen y el ruido amenazan con devaluar la palabra hablada, este trabajo reflexiona sobre el valor sanador, identitario y sociopolítico de la oralidad rural. Bajo el enfoque de los estudios culturales y la otredad, la investigación cuestiona la invisibilización histórica de las poblaciones rurales ecuatorianas —específicamente el recinto Guachapelí en Guayas—, territorios que suelen ser relegados a meros registros catastrales o a la crónica roja, careciendo de una historia oficial. Se plantea un análisis de caso cualitativo centrado en la producción cultural de Pepe Carpio, un "palabrero" y cronista montubio. A través de la recopilación y el examen de sus crónicas rimadas sobre los "sucedidos" cotidianos, se indaga en los modos de habla, los saberes y el sentido del humor propios de esta comunidad. El estudio concluye que estas creaciones poéticas trascienden el simple entretenimiento para constituir un archivo vivo y una herramienta de resistencia cultural. Finalmente, se justifica la urgencia de documentar estas voces frente a la pérdida de la memoria colectiva, demostrando la plena vigencia y pertinencia del cronista oral montubio en la actualidad.

El presente estudio examina la enseñanza y revitalización del kichwa en la Comuna Ancestral de Engabao (Guayas), un contexto hispanohablante donde esta lengua, presente en la región desde hace 500 años, es hoy reivindicada como parte del patrimonio cultural. Desde una perspectiva de didáctica comunitaria, se analizan los desafíos de promover un aprendizaje significativo frente al dominio del español. La investigación aborda la trayectoria histórica del kichwa y su desplazamiento, destacando la labor de la UECIB Cacique Tumbalá en la adaptación del currículo a la vida cotidiana mediante proyectos familiares y la contextualización del vocabulario. Un componente central de esta propuesta es la innovación lingüística a través de la creación de neologismos estructuralmente coherentes con el territorio. Estos recursos expresivos permiten que el kichwa nombre dinámicas relacionales asociadas a la recolección marítima y la vida en la costa, transformando la lengua en una herramienta contemporánea y situada. Los resultados demuestran que la revitalización es viable cuando se articulan de manera efectiva la memoria, la pedagogía y la innovación léxica contextualizada, fortaleciendo la identidad étnica en el litoral ecuatoriano.

Después de la proyección del final del cortometraje, esta contribución reflexionará sobre los mecanismos subjetivos con los que la producción audiovisual costeña contemporánea inscribe lo inefable de la pérdida. A través del análisis del cortometraje Nuria de piernas largas (UArtes, 2019), ambientado en la histórica parroquia petrolera de Ancón, la investigación plantea cómo el inminente duelo materno obliga al inconsciente a fracturar el lenguaje ordinario, construyendo un imaginario onírico a partir de los saberes de la oralidad, el mito y el devenir animal.

Lejos de los estereotipos folclóricos o costumbristas, la obra recurre al realismo fantástico para representar la otredad del aislamiento. En este entramado, la herencia de los medios masivos dicta una respuesta técnica específica: la reapropiación de formatos televisivos obsoletos (el encuadre asfixiante 1.33:1 y el zoom continuo). Así, la arquitectura peninsular abandona su rol de telón de fondo pasivo para transformarse, junto a la fantasmagoría del arte, en un catalizador psicológico que dialoga con la memoria local. El estudio concluye demostrando cómo el colapso violento de esta ensoñación ante lo ineludible de la muerte (ensanchamiento abrupto al formato 2.35:1) rompe con los reduccionismos narrativos clásicos para explorar la psique del litoral ecuatoriano desde el psicoanálisis, con un lenguaje propio y de resistencia estética.

Rapsodia en seco (El Ángel Editor, 2024), de Sonia Manzano Vela, desplaza la narración hacia la interioridad de Eugenia, escritora libre y lúcida atravesada por la memoria, el deseo de crear y las huellas del tiempo. La ponencia analiza el duelo anticipado como una disposición afectiva que transforma el presente antes de que la pérdida se consume. Desde Judith Butler, el duelo se lee como experiencia ética que revela los vínculos, la vulnerabilidad y la fragilidad de los cuerpos. La novela también problematiza la figura de la mujer escritora frente al campo cultural, la consagración, la exclusión, el envejecimiento y la violencia. En diálogo con Cixous y Ricoeur, la escritura y la memoria aparecen como formas de reconstruir el cuerpo, el deseo y el pasado desde el presente. Finalmente, el contrapunto con No Home Movie, de la cineasta Chantal Akerman, permite pensar lo doméstico como espacio de cuidado, espera, desolación y pérdida anticipada.

En la presente ponencia se analiza la configuración de la alienación como condición del sujeto a través de los personajes, espacios y temáticas del corpus poético y narrativo de César Dávila Andrade (Vinatería del Pacífico, El hombre que limpió su arma, Catedral salvaje y La corteza embrujada II). En estas obras se configura una subjetividad atravesada por la fractura simbólica y por la imposibilidad de sostener un lazo estable con el mundo compartido. La forclusión, entendida aquí como mecanismo clínico lacaniano de rechazo radical del significante, se propone no como equivalente de la alienación, sino como categoría de lectura para pensar la imposibilidad de la comunicación, la ruptura del pacto social y el desajuste entre el lenguaje y la realidad. Se trata de sujetos despojados de inscripción simbólica, cuya identidad vacila y cuya palabra queda expuesta al retorno de lo real bajo formas de extrañeza, delirio o violencia. La hipótesis central sostiene que la alienación en la obra de Dávila se configura como efecto de una fractura simbólica que, leída a partir de la forclusión, desgarra la subjetividad y desestabiliza el vínculo entre el lenguaje y la realidad. Para demostrarlo, el análisis se articula en torno a tres ejes: la forclusión como falla de la ley y del deseo en sus cuentos; la literatura como lascivia, daño y lenguaje errante en su poética; y, por último, el sujeto alienado, concebido como un héroe desposeído y sin anclaje. En definitiva, la obra de Dávila se aborda como una disidencia: no como la expresión de una subjetividad unificada, sino como la puesta en escena de una constelación de voces que encarnan la herida y la incomunicación. Sus personajes no son meras proyecciones de un único autor, sino formas estéticas que evidencian la tensión extrema entre el ser y el lenguaje. Así, lo que la historia literaria llama “Dávila” puede leerse como el nombre de una polifonía errante, fracturada y psíquicamente extranjera.

El presente trabajo propone una aproximación crítica a la obra poética de César Ruiz (Pujilí – Ecuador) a partir del análisis de sus libros Amina, Desenterrando la luna y Haiku. Se plantea que su poesía configura una poética del cuerpo como espacio de inscripción de la experiencia existencial, en la que el erotismo, la memoria y la fragmentación del sujeto se articulan mediante un lenguaje que transita entre la intensidad expresiva y la condensación formal. Desde una perspectiva de lectura comparativa, el trabajo identifica núcleos temáticos recurrentes, así como variaciones en las formas poéticas que evidencian una tensión constante entre la expansión y la síntesis del discurso lírico. En este sentido, la ponencia busca contribuir a la comprensión de la coherencia interna de su propuesta estética a partir de la relación entre el cuerpo, el lenguaje y la forma poética.

La presente ponencia analiza el juego y la corporalidad como herramientas pedagógicas para la transmisión de la cultura ecuatoriana en el contexto escolar, problematizando la enseñanza tradicional de los contenidos culturales, frecuentemente reducida a enfoques teóricos que limitan la participación y el aprendizaje significativo. Desde un enfoque interdisciplinario, se propone una metodología que articula la actividad física, el arte y los estudios culturales mediante actividades lúdicas y corporales integradas al currículo de educación primaria.

El estudio se basa en una experiencia pedagógica desarrollada en la Unidad Educativa INEPE, en la parroquia semirrural de Chilibulo (Quito-Ecuador), mediante la implementación de un currículo de “juegos tradicionales e identidad” en la asignatura de Educación Física. Los resultados evidencian que estas estrategias potencian habilidades motrices, aportan en la construcción de identidad cultural y fortalecen el sentido de pertenencia y la participación activa de los niños y niñas.

Por lo tanto, se concluye que el juego y la corporalidad constituyen herramientas importantes para una educación intercultural y crítica, capaces de transformar las dinámicas de enseñanza y aprendizaje en contextos de educación formal.

Esta ponencia explora el proceso creativo de dos libros álbum ecuatorianos que rompen silencios: uno sobre la educación menstrual y otro sobre el duelo. Como autora, analizo cómo transformar temas considerados "difíciles" en historias poéticas que busca abrir espacios de honestidad con el lector.

Detallo el camino desde la investigación hasta la creación de metáforas visuales y escritas que permiten a niñas, niños y adultos transitar la complejidad del cuerpo y la pérdida. La propuesta defiende que la literatura debe nombrar lo que nos duele o nos asombra, convirtiendo al libro en un lugar de refugio y validación emocional donde la sangre y la ausencia por fin encuentran sus propias palabras.

Esta ponencia explora el reto de ilustrar la muerte y la pérdida para el público infantil en Ecuador. Más allá de decorar un texto, la ilustración en estos proyectos busca dar forma a sentimientos que a veces no tienen nombre. Se analiza cómo el lenguaje visual permite abordar la tristeza y el vacío de una manera honesta y cercana, sin caer en lo sombrío ni en lo excesivamente explícito. La propuesta reflexiona sobre la responsabilidad del ilustrador al crear una estética que acoja el dolor, buscando un equilibrio entre la honestidad visual y la metáfora. Finalmente, se plantea cómo la ilustración de temas sensibles en Ecuador está abriendo nuevas fronteras en la producción editorial nacional, permitiendo que la imagen se convierta en un espejo necesario para tramitar la finitud y la memoria.

La escena literaria cuencana es efervescente, diversa y fecunda: configura un mosaico de voces sugerentes y poderosas que han ganado progresiva visibilidad y reconocimiento en los ámbitos local, regional y nacional. En la mayoría de sus formatos —relatos orales y escritos, piezas musicales, textos poéticos y crónicas— esta literatura visibiliza marcas de ciudad y establece recorridos urbanos reconocibles en referencias georreferenciadas (Heredia, 2005). Las plazas, calles, barrios, puentes, ríos, paisajes y nombres de iglesias se activan ecosemióticamente (Maran y Kull, 2014): el entorno establece interrelaciones con los personajes y los seres humanos, y juntos articulan miradas construidas a partir de cartografías entendidas como enfoque metodológico cualitativo y de carácter práctico. Se trata de una pragmática ligada a un ejercicio activo de operación sobre el mundo, no meramente de verificación, levantamiento o interpretación de datos (Costa, 2014, p. 67). El resultado es un mapa literario de Cuenca definido a través de la ubicación y contextualización de referencias textuales geolocalizadas, directas e indirectas. Estos recorridos urbanos, asociados a textos literarios que funcionan como co-marcas, permiten reconocer en los lugares significados históricos, urbanos y culturales que trascienden su geografía. El mapa resultante estará disponible en línea en el sitio web y en la plataforma del proyecto Literaturas Regionales de la Universidad de Cuenca.

Esta ponencia propone una lectura comparativa de "Aphasia" (2020) de Mauro Javier Cárdenas y "Catalina" (2023) de Karla Cornejo Villavicencio, desde un enfoque centrado en la escritura migrante, la transterritorialidad y la dislocación narrativa. Se sostiene que ambas obras no solo tematizan el desplazamiento, sino que lo performan formalmente mediante estrategias como la fragmentación discursiva, la polifonía, la errancia sintáctica y el uso de archivos afectivos.

En este sentido, las novelas configuran subjetividades migrantes que desbordan las categorías tradicionales de identidad nacional, testimonio y representación. A través del análisis de sus procedimientos formales, se argumenta que estas escrituras articulan una poética de la extranjería que se inscribe tanto en el lenguaje como en la estructura narrativa, cuestionando las expectativas de coherencia, linealidad y pertenencia.

Asimismo, se propone que estas obras participan de una literatura ecuatoriana “fuera de lugar”, producida desde espacios transterritoriales que desestabilizan el canon nacional y reconfiguran sus límites. En lugar de reclamar pertenencia, estas escrituras interrumpen su posibilidad, produciendo cartografías dislocadas donde el archivo, el cuerpo y la lengua operan como soportes de una memoria fragmentaria.

La migración: un análisis de narrativas desde una perspectiva decolonial y estructural El presente trabajo de investigación centra su atención en el fenómeno de la migración. Al usar el término fenómeno para referirnos a la migración nos apegamos al sentido semántico del término, es decir, se considera un evento o manifestación que se hace presente en la consciencia de un sujeto y aparece como objeto de su percepción. Es en este sentido que la migración en el presente trabajo se asume como un fenómeno que nos interpela para su estudio desde diferentes dimensiones, en este caso desde la dimensión simbólica y estructural. En este sentido, la migración se entiende como un hecho social caracterizado por desplazamientos que son condicionados por diversos factores que inciden en la forma en que se justifica y argumento el desplazamiento territorial. Con base en el aporte teórico de autores que explican este fenómeno desde el campo de la sociología (Immanuel Wallerstein; Alejandro Portes; Ewa Morawska) y de los estudios sobre la decolonialidad (Anibal Quinjano; Walter Mignolo), el presente trabajo analiza escenarios y narrativas relacionadas con la migración en el contexto ecuatoriano con la intención de analizar este fenómeno y aportar conocimientos a los debates actuales sobre la migración. Los resultados del presente estudio sugieren que si bien, las y los migrantes se enfrentan a condiciones estructurales que motivan decisiones en contextos de supervivencia, una gran parte de estas decisiones están atravesadas por un legado colonial.

Esta ponencia analiza Paris 5 de Liliana Miraglia desde la convergencia entre narratología, teoría del afecto y estudios del espacio. Como marco teórico, emplea aportes de Gérard Genette y Paul Ricœur sobre la configuración narrativa y la temporalidad; de Sara Ahmed y Sianne Ngai sobre los afectos ordinarios y las intensidades menores; y de Michel de Certeau, Henri Lefebvre y Marc Augé sobre la espacialidad, la movilidad y los lugares de tránsito. El trabajo argumenta que el texto organiza la experiencia subjetiva no mediante una trama lineal ni desde una identidad estable, sino a través de fragmentos, repeticiones y desplazamientos que convierten el tránsito en un principio estructurador de la narración.

Los espacios recorridos —París, Montevideo, Guayaquil, así como hoteles, aeropuertos, salas de espera, calles y aviones— no funcionan como simples escenarios, sino como nodos afectivos donde se negocian la orientación, la vulnerabilidad y el sentido. La ponencia examina, además, cómo emociones de baja intensidad, como la ansiedad, la vergüenza, la anticipación o el alivio, adquieren centralidad estética y desplazan la lógica del gran acontecimiento hacia una poética de lo mínimo.

Asimismo, sostiene que el avión y otros espacios liminales no constituyen meros intervalos entre destinos, sino escenas decisivas en las que se suspenden las coordenadas habituales del sujeto y se reconfiguran el tiempo, el cuerpo y la percepción. Desde esta perspectiva, Paris 5 no narra simplemente viajes: convierte la movilidad en forma de conocimiento y la fragmentación en modo de habitar el mundo.

La fundación de capellanías tenía al menos tres sentidos: uno religioso, uno económico y uno social. Es decir, por medio de ellas se buscaba un paso rápido de las almas en el purgatorio, para lo cual se encomendaba un número de misas que debían ser celebradas por el capellán, quien recibía una remuneración ya sea en dinero, bienes o créditos. En estos manuscritos se presentan al menos tres actores: fundadores, patronos y capellanes, quienes establecen relaciones que serán analizadas desde la perspectiva emic y etic en 24 ejemplos en Cuenca del siglo XVIII. Este estudio propone que las capellanías no solo funcionaron como instrumentos de salvación espiritual, sino también como mecanismos de circulación de bienes, consolidación de prestigio y reproducción de jerarquías sociales. A través de ellas, los fundadores aseguraban memoria, legitimidad y continuidad familiar; los patronos ejercían autoridad sobre la administración de los bienes y la designación de capellanes; y estos últimos obtenían medios de sustento y posicionamiento dentro del campo eclesiástico. El análisis permite evidenciar cómo estas relaciones articularon dimensiones devocionales y materiales, revelando estrategias familiares, vínculos de confianza y formas de poder que contribuyeron a estructurar la sociedad cuencana colonial.

En la actual era de la inteligencia artificial generativa, estas herramientas producen contenido multimodal —imágenes, textos, música, audio— planteando interrogantes jurídicos que, por lo menos a corto plazo, carecen de respuestas unívocas. ¿Quién es el autor de una obra producida con IA? ¿Quién responde por los daños que esta genere? Esta ponencia examina ambas preguntas desde el marco normativo ecuatoriano y andino: el Código Orgánico de la Economía Social de los Conocimientos, Creatividad e Innovación (COESCCI), la Decisión 351 de la Comunidad Andina y el artículo 2229 del Código Civil ecuatoriano. La investigación concluye, preliminarmente, que la filosofía personalista de la normativa andina excluye a la IA como sujeto de derechos de autor, dejando sus creaciones en el dominio público. Asimismo, el régimen de responsabilidad subjetiva vigente en Ecuador resulta insuficiente frente a la autonomía y opacidad de los sistemas algorítmicos, lo que exige transitar hacia una responsabilidad objetiva y solidaria entre desarrolladores, proveedores y usuarios, con inversión de la carga de la prueba en favor del perjudicado. Resumen editado por el comité científico del XXVII Congreso Internacional de la Asociación de Ecuatorianistas.

Luz Argentina Chiriboga (1940-2025) fue una prolífica autora afroecuatoriana, insertada en el canon de la literatura nacional por su ficción y poesía. Adicionalmente, fue parte fundamental de la intelectualidad afroecuatoriana. La presente ponencia tiene por objetivo hacer un repaso por los ensayos escritos por Chiriboga en el siglo pasado, siendo notoriamente productiva en el análisis sociológico, antropológico y lingüístico de la afrodescendencia, la mujer y la nación del último cuarto del siglo XX. Aquí se le rendirá un tributo a su pensamiento escrito, además de hacer memoria de las redes intelectuales y culturales en las cuales participó. Este trabajo está inscrito en un esfuerzo posterior de lograr una historia intelectual afroecuatoriana.

La presente ponencia propone una relectura de una experiencia de composición musical a tiempo real realizada en 2022 con participantes no ecuatorianos, retomando un trabajo previo centrado en géneros autóctonos del Ecuador, para desplazar el foco desde la comparación entre músicos y no músicos hacia una dimensión diagnóstica de sus imaginarios socioculturales sobre el país.

A partir de dos talleres desarrollados en contextos universitarios europeos, se analizaron procesos de creación colectiva en tiempo real, registrados en vídeo, transcritos y complementados con encuestas y observación participante. En diálogo con los estudios sobre improvisación y composición en tiempo real, que conciben la improvisación libre como un proceso de creación situado, colectivo y negociado, más allá del modelo de partitura escrita, se entiende la práctica compositiva como una forma de conocimiento encarnado sobre el territorio, sus sonoridades y sus estereotipos.

El análisis se centra en tres niveles: a) lo que los sujetos declaran saber de Ecuador antes del taller (respuestas sobre geografía, cultura y música); b) las decisiones musicales que toman al componer en tiempo real con ritmos autóctonos; y c) las interpretaciones que ellos mismos elaboran sobre la experiencia al finalizar la actividad. Se argumenta que la composición en tiempo real con ritmos autóctonos puede funcionar como dispositivo diagnóstico para visibilizar y problematizar los modos en que el Ecuador es imaginado desde afuera, abriendo posibilidades pedagógicas y críticas en torno a la producción cultural ecuatoriana contemporánea.

Este trabajo propone una reflexión sobre la descolonización del conocimiento musical en el Ecuador, entendida no solo como un ejercicio crítico, sino como una práctica de creación. Frente a un sistema musical históricamente configurado desde parámetros occidentales, se plantea la necesidad de generar formas alternativas de producción sonora basadas en saberes sonoros nativos. La investigación se fundamenta en un enfoque cualitativo que articula trabajo investigativo de campo en la comunidad de Kotama (Otavalo), análisis de prácticas sonoras vivas y procesos de creación musical desarrollados por el autor. Desde esta experiencia, se identifican lógicas sonoras propias, estructuras, frecuencias, organización rítmica y simbología propia que permiten entender el desarrollo “académico” escondido en prácticas nativas. A partir de estos hallazgos, se presentan distintas formas de creación que configuran un modelo de descolonización sonora: música académica con elementos nativos, exploraciones experimentales, propuestas basadas íntegramente en lógicas sonoras nativas y desarrollo en el ámbito de la música popular. Estas líneas no buscan una ruptura absoluta con lo occidental, sino establecer formas de coexistencia que reconfiguren las jerarquías del conocimiento musical. Se concluye que la descolonización implica no solo reconocer estos saberes, sino activarlos como base para la creación contemporánea, posibilitando el desarrollo de sistemas musicales propios y la construcción de una identidad sonora.

La débil vinculación de las nuevas generaciones con los saberes ancestrales y la memoria cultural de sus territorios constituye un desafío relevante para la educación situada y la construcción de identidad. Esta investigación analiza cómo la creación colectiva de recursos didácticos basados en la valorización de saberes ancestrales comunitarios incide en la construcción de la identidad y el fortalecimiento del sentido de pertenencia territorial en estudiantes de Décimo Grado de Educación General Básica de la Unidad Educativa INEPE, en la parroquia semirrural de Chilibulo, Quito-Ecuador.

Desde un enfoque educomunicativo y participativo, se implementó un diseño mixto de intervención socioeducativa con 37 estudiantes. El proceso integró exploración territorial, diálogo intergeneracional con personas adultas mayores y producción colectiva de un libro ilustrado con fines didácticos, sustentado en lenguajes narrativos y visuales. La recolección de datos incluyó encuestas pre y post intervención, escritos reflexivos y producciones narrativas. La experiencia se desarrolló entre enero y abril de 2026, en articulación curricular con la asignatura de Lenguaje y Estudios Sociales, y se estructuró en fases de exploración, diálogo, creación y socialización comunitaria.

Los resultados evidencian transformaciones en la relación de los estudiantes con su entorno sociocultural, expresadas en el reconocimiento y valorización de los saberes locales, el fortalecimiento del vínculo territorial y el reconocimiento de su rol activo en la preservación y resignificación de la memoria colectiva.

Crear paste up es construir ciudad y ciudadanía, es acceder a la posibilidad de participación aún lejos del andamiaje institucional. Esta práctica recurrente nos recuerda la multiplicidad de voces que habitan nuestras calles. Cada intervención, reivindica la urgencia del cumplimiento de los derechos culturales. El acto de pegar como espacio de disenso y habitar de los diferentes. La relativa sencillez y bajos costos en los modos de producción de este dispositivo visual y gráfico, democratiza su praxis. Podemos encontrar paste up digital: reproducciones comúnmente en blanco y negro, algunas veces intervenidas. Ready mades de iconografía punk o pop. Reinterpretaciones llenas de humor de marcas comerciales, e insignias personales o colectivas. Así también una diversa variedad de ilustración digital. También está el paste up análogo, que parte de una pulida selección de caracteres y frases realizadas en serigrafía, acrílico o marcadores. Los tamaños varían del gran formato, pasando por el mediano y pequeño. El gramaje y tipo de papel pueden variar, aunque si es cuestión de generar producción la recursividad es extensa; contemplando también el reciclaje. Quienes lo hacen entregan a la ciudad complejos ensamblajes que nutren los muros, que a la vez modifican su imagen y regeneran el territorio. Paredes antes destruidas y abandonadas se cubren de una renovada piel a través de estos ejercicios creativos.

Esta ponencia reflexiona sobre una serie de intervenciones de paste up realizadas entre 2020 y 2025 en diversas ciudades de América Latina. El análisis aborda desde prácticas convencionales de carteles pegados en el espacio público hasta intervenciones de gran escala que incorporan técnicas como esténcil y serigrafía para producir acciones seriales. El trabajo se concentra en espacios marginales, periféricos y abyectos de las grandes urbes, entendidos como escenarios privilegiados para cuestionar los signos hegemónicos que organizan la experiencia cotidiana. A partir de una práctica artística autorreflexiva, la propuesta examina cómo el espacio público moldea el comportamiento, el lenguaje y las formas de percepción. Mediante la implantación de nuevos signos en la ciudad, estas intervenciones buscan desestabilizar los sistemas dominantes de orientación y sentido. La imagen deja de funcionar como guía estable para convertirse en un dispositivo crítico que evidencia la crisis del lenguaje y abre zonas de incertidumbre, desplazando las formas convencionales de comprensión y reconfigurando la relación entre arte urbano, ciudad y subjetividad.

Desde el inicio para mí el paste up fue dejar una marca en el mundo. Fue poner un YO ESTOY AQUÍ. Y después de esto al ver la pared con graff, tags, stickers y paste me di cuenta de que todos estamos aquí, de que somos más y que juntos hemos logrado llenar la ciudad de sentido. No siempre un sentido lógico, a veces un grito, a veces un murmullo, a veces solo una marca, una inicial; pero esto nos ha puesto en el mapa. Luego vas conociendo a más personas que salen como tú y comparten pared, poste o caja; y resulta que todo esto es nuestro. Compañeros que comienzan compartiendo una lata o un marcador, ahora comparten conocimiento, sin miedo y dándose por completo. ¿Para qué? Para ver el paste up crecer. La ciudad nos pertenece y entre todos nosotros estamos conectados. ¿Puede haber diferencias? Si, siempre las hay, pero bajo el respeto y el compañerismo, las calles se han convertido en estos pequeños espacios seguros, llenos de risas, de consejos, de una que otra cerveza, hemos comenzado a armar comunidad. Como escribía Jane Jacobs… lo que la ciudad necesita son ojos en la calle para generar no solo sentido de pertenencia ni de comunidad, sino de seguridad, algo que tanto este país necesita.

Francisco es un joven con una obsesión enfermiza hacia Sofía, una compañera del curso. Un día, luego de un debate interno sobre sus sentimientos hacia ella, decide seguirla a casa después de clase. Su fascinación hará que vaya perdiendo cada vez más su humanidad, llevándolo a hacer cosas impensables.

Ady, una joven de 20 años sumida en la depresión, es arrastrada una noche a un inquietante mundo entre recuerdos reprimidos y escenarios fantásticos tras escuchar el llanto de una misteriosa niña. Guiada por Dima, un joven que conoce en este universo onírico, Ady emprende un viaje emocional donde deberá enfrentar su pasado, sus deseos más profundos y la relación con su madre, descubriendo en el proceso una posibilidad de sanación.

La historia sigue a una pareja atrapada en bucles temporales, funcionando como metáfora de su incapacidad para comunicar sus verdaderos sentimientos.

Este proyecto se centra en la producción de un libro expandido concebido como la materialización de un laboratorio de investigación-creación procesual. El núcleo de la propuesta es el desarrollo de un artefacto de lectura que surge de la intervención directa y la desconfiguración del archivo por parte de tres investigadorxs. El libro se gesta como un dispositivo donde el archivo es sometido a procesos de des-ensamblaje y experimentación, en aras de desestabilizar la concepción monolítica e institucional del archivo, ampliándolo hacia formas afectivas, materiales y no convencionales. Metodológicamente, el laboratorio funciona como un espacio de creación simultánea donde la investigación se articula mediante la experimentación de diversos formatos, como la escritura creativa, el ensayo poético, la fotografía, la poesía visual y el archivo personal; que permiten indagar el archivo como experiencia viva y mutable. Este proyecto se erige desde tres miradas que convergen entre sí: el objeto-archivo y la nostalgia; el cuerpo como archivo genealógico de lo femenino y lo disidente; y la basura digital como archivo personal en constante gestación.

Se trata de un poemario de mi autoría que está por publicarse con Sur Editorial (Macas/Cuenca). La idea sería hacer una presentación, con algún colega o invitado que dialogue sobre la obra, seguido de una lectura de fragmentos del texto.

El Grupo de Guayaquil en el Ecuador de los años 1920 a 1940: trayectorias, redes y construcciones identitarias es un ensayo que estudia el funcionamiento de las redes intelectuales y las construcciones identitarias culturales en el Ecuador de hace un siglo, a través de uno de los grupos más emblemáticos de la historia de las letras ecuatorianas: el Grupo de Guayaquil, formado por Demetrio Aguilera Malta, José de la Cuadra, Joaquín Gallegos Lara, Enrique Gil Gilbert y Alfredo Pareja Diezcanseco. Sus trayectorias individuales, puestas en paralelo, revelan puntos comunes, pero también divergencias, sobre todo en el plano político. Se analizan luego las redes intelectuales que los miembros del grupo tejieron, no solo en su país, sino también con Perú, España, Francia y Estados Unidos. Finalmente, en un tercer eje analítico, se aborda su contribución al debate sobre la identidad regional, nacional y continental entre los años veinte y mediados de los cuarenta, una contribución que sigue siendo influyente en los debates actuales sobre la identidad ecuatoriana.

Exposición fotográfica y multimedia que explora el manglar y las actividades de sus habitantes en íntima interdependencia con su ecosistema. Integra dos recorridos: 25 fotografías a color (2024) en sala, enmarcadas, impresas en papel de algodón 11x14 pulgadas; y un álbum manipulable con 30 fotografías en blanco y negro (1983). Una pista sonora sirve de continuum espacial con paisajes sonoros del manglar y las actividades humanas. Sede propuesta: Galería Cuarta Pared. Colaboración entre Escuela de Cine y Escuela de Artes Visuales.

El cimarronaje surgido desde costas africanas y barracas esclavistas hoy se dispersa por campos y suburbios afro-sobrevivientes desilusionados de vacuas promesas. La ruta del cimarrón constituye un viaje literario de reflexión sobre el estancamiento social, el etnocidio ambiental, la discriminación y racismo estructural contra el pueblo afroecuatoriano, en una sociedad que se resiste a lo Negro, su cultura, historia y derechos humanos. Revela estadísticas de exclusión en esa diáspora aun presente en Esmeraldas, el Chota, los suburbios de Guayaquil y demás urbes con altas tasas de marginación y pobreza, en muchos casos, parecidas a la colonia.

Algunos ciudadanos están forzados a emigrar a otras fronteras donde también son recibidos con estigmas, discriminación, racismo y hasta agresiones físicas (como en mi caso), en ciertas ocasiones respondidas de la misma forma; vivencias que dan origen a la crónica literaria Pega negro pega. La ponencia, sustentada en los dos trabajos que se entrelazan, tiene como objetivo principal demostrar que, pese a 500 años de diferencia entre la Diáspora africana y las migraciones forzadas actuales, muchas problemáticas subsisten y la colonialidad del Ser, del Poder y del Saber advertida por Quijano, Mignolo y otros, pese a algunos intentos de inclusión social de gobiernos pasados, está más vigente que nunca.

Las letras de ambos textos transitan partida tortuosas, llegadas hostiles, arraigos. desarraigos, exclusiones, racismos, se rebelan, luchan. Surcan heridas abiertas para sembrar esperanza. Son brújula en un trayecto inconcluso, un clamor de reparación histórica que los gobiernos se niegan pagar.

Una Cultura no puede desaparecer sin dejar huellas.
Motivada por este pensamiento investigué trece años la cultura negra de Catamayo “El Salado, un asentamiento de afrodescendientes que fueron desalojados de sus tierras, heredadas de sus ancestros. Su éxodo vino a despertar un amasijo de raros sentires en mi vida, tristeza, dolor e impotencia por la injusticia, sí, eran mis amigos. ¡Última generación…!!! Todos conocidos, algunos, compañeros de escuela, de juegos. Ellos fueron pioneros del progreso económico de Catamayo - Loja, trabajaron las tierras del patrón en calidad de arrimados, (nueva forma de esclavitud). En 1961 llegó la Ley de Reforma Agraria y se parcializó el valle, incluyendo la gran hacienda El Salado, lograron así su libertad definitiva, pero abrazados de pobreza, en consecuencia, no lograron comprar la tierra que ocupaban y en 1965 fueron arrancados del territorio que habitaron por varias generaciones, por no contar con un título de propiedad que lo acredite.

Fuente de investigación: Oral, directa, gran parte vivencial; quedaron tres ancianos de El Salado en barrios aledaños. Sus memorias compartidas las plasmé en obra literaria, titulada… SOMBRAS DE EL SALADO. Más que novela, es documental, así fue calificada por la CCE de Loja – 2016. En el 2017, CCE matriz - Quito, señaló con seguridad su director, Dr. Camilo Restrepo: -Es la primera obra del país en ese género.

Objetivo: Rescatar esta valiosa Cultura, con ello, mi homenaje a quién considero, vivieron en comunidad resiliente y feliz, formando parte de mi vida.

Autora: Judit Ruiz Celi

Esta ponencia propone el concepto de sin-razón poética como categoría estética y epistemológica para pensar la autonomía del arte latinoamericano frente a la tradición racionalista occidental. El argumento central sostiene que el sinsentido estético no es un error del sistema sino un acto de desobediencia epistémica: la suspensión consciente del juicio lógico en favor de una verdad sensible que la razón imperial descarta como caótica o irracional. El marco teórico articula la razón poética de María Zambrano con la filosofía de la liberación de Enrique Dussel y el ethos barroco de Bolívar Echeverría, y examina un corpus que incluye las vanguardias históricas, el teatro del absurdo y la performance contemporánea. La vinculación ecuatoriana es central: la ponencia recupera la narrativa fracturada de Pablo Palacio, la deconstrucción gramatical de Jorge Enrique Adoum y prácticas visuales y performativas ecuatorianas contemporáneas para postular la sin-razón como el espacio donde el arte latinoamericano deja de ser eco de la estética ilustrada y se convierte en grito de existencia propia. Redactado por el comité científico a partir del resumen original y de la clarificación del autor (mayo 2026)

En Latinoamérica, la producción literaria denominado como vanguardia ha sido vista como ausente de figuras femeninas. Sin embargo, si se hace un rastreo hay nombres que ratifican una postura activa. Los estudios dedicados a ese periodo son carentes y centrados en lo establecido como canónico. La relectura y reedición de las producciones de las escritoras es necesaria, así como la consolidación de un panorama que enliste a las autoras que en estos años dejaron escuchar su reacción hacia el momento histórico-literario e ideológico que cursaron. Hilda Mundy, Magda Portal, Blanca Luz Brum, María Luisa Carnelli, María del Mar, Norah Lange, Winétt de Rokha, María Virginia Estenssoro, Aurora Estrada i Ayala no estuvieron solas. En este acercamiento, me propongo encontrar paralelismos en su escritura, temática y acto de autorrepresentación reflejado en su creación.

Esta ponencia analiza la configuración del campo literario ecuatoriano entre las décadas de 1920 y 1930 a partir de la influencia del marxismo y de las disputas culturales que transformaron la literatura nacional. El estudio sostiene que durante este periodo coexistieron tres fuerzas en tensión: el realismo social, la narrativa ficcional de vanguardia y el modernismo arielista asociado a la vieja aristocracia intelectual. A través de autores como Joaquín Gallegos Lara, Jorge Icaza, Pablo Palacio, Humberto Salvador, Gonzalo Zaldumbide y Benjamín Carrión, la investigación examina cómo estas corrientes disputaron legitimidad estética, política y cultural en un contexto marcado por la Revolución Alfarista, la masacre obrera de 1922 y la emergencia de nuevas subjetividades sociales. Desde una perspectiva apoyada en Pierre Bourdieu y la crítica literaria ecuatoriana, la ponencia propone que el marxismo no solo influyó en la representación de los sectores subalternos, sino también en la consolidación del realismo social como canon cultural dominante dentro del Ecuador del siglo XX. Edited by el comité científico.

Esta ponencia analiza la novela Yo, Beato (2021), de Miguel Antonio Chávez, como un dispositivo paródico de representación del autoritarismo en la literatura ecuatoriana contemporánea. Se lee la novela como ciencia ficción poshistórica —en el sentido de Iván Rodrigo-Mendizábal—, a partir del concepto novum, entendido como extrañamiento cognoscitivo. Desde esta perspectiva, se examina cómo el Ecuador es sustituido por un orden simbólico en el que la vida social y política se sostiene en dogmas y lógicas teocráticas. A partir de ello, se reflexiona sobre la manera en que lo paródico no solo ridiculiza al poder, sino que revela que este no se sostiene a pesar de lo absurdo, sino precisamente a través de él. Así, la ponencia propone repensar las formas contemporáneas de representación del autoritarismo en la literatura ecuatoriana desde la lógica de lo absurdo como mecanismo de legitimación del poder.

Esta ponencia pretende articular las nociones teóricas desarrolladas por las corrientes ecocríticas y de las denominadas blue humanities. Se argumenta que las implicaciones sobre la reflexión en torno a la noción del antropoceno se han extendido a los estudios culturales y a la crítica literaria, proponiendo categorías analíticas que ahondan en el papel que juegan las representaciones del mundo natural (animales, insectos, territorios, plantas, agua, etc.) en las creaciones artísticas/literarias. Ahora bien, se propone que, en la novela de García Freire, Nuestra piel muerta (2019), se produce un giro biocéntrico, es decir, que existe una subversión de los paradigmas antropocéntricos en los criterios de representación: la relación entre el narrador y su entorno territorial establecen una comunicación de orden epistemológico-simbólico, dotando al mundo natural de un valor intrínseco a nivel ontológico, haciendo énfasis en la ruptura de la relación de explotación que impone la lógica humana. Por otro lado, se expone que el libro de relatos de Crespo, Van a ser unos años muy líquidos (2024), desarrolla una “poética del río” que amplía las nociones occidentales centradas en los paisajes marinos y se centra en el ecosistema del río. Así, la presencia del agua configura un espacio dinámico y de cambio constante; en los relatos, la cercanía al río y a sus habitantes trastocan ontológicamente a sus narradores, el agua y humedad reconfiguran las nociones de cuerpo, deseo y maternidad.

Esta ponencia, a la vez es un tributo a la memoria del poeta, narrador y académico ambateño, Iván Oñate, quien falleciera en Quito en septiembre de 2025. A través de un examen crítico, se busca establecer las claves con las que Oñate construyó todo un universo narrativo a través de sus cuentos reunidos en El hacha enterrada, editado originalmente en 1986 y que desde entonces ha merecido varias reediciones. Cuentario en el que se juntan historias de diversa tesitura narrativa que van desde el realismo maravilloso hasta lo mítico y lo fantástico. Lo que resulta interesante destacar, tras la relectura, es que todas estas historias mantienen un diálogo o relación sutil entre la tradición y la ruptura. Pues su modernidad, su vigencia, es algo que no deja de llamar la atención a propios y extraños. Cuentos en los que sus logros están de manifiesto tanto en lo que se refiere a su estructura como a sus contenidos. Aquello del qué se cuenta y cómo se cuenta, Oñate lo resuelve de manera lúcida y acertada. Sin duda que en cada una de estas piezas está presente el poeta que supo escarbar en la memoria la evidencia de esa realidad de su entorno mágico y desolador que lo convirtieron en testigo, cronista implacable de su tiempo y de esa memoria que en estos cuentos intensos y estremecedores, al igual que su obra poética, son la cifra también, de lo que él certeramente llamó, "el país de las tinieblas".

La migración internacional de ecuatorianos ha sido un fenómeno social y cultural de gran impacto, cuya representación en la literatura crítica permite comprender las tensiones entre desplazamiento, identidad y memoria. Este estudio aborda la manera en que los ensayos literarios configuran narrativas sobre el proceso migratorio, y el análisis de los rasgos identitarios más destacados de los protagonistas del desplazamiento físico, en los que se entrecruzan la memoria, la nostalgia y una construcción diversa de identidades.

El retorno migrante constituye una dimensión esencial dentro del ciclo de la movilidad humana, y en la literatura crítica ecuatoriana se presenta como un fenómeno cargado de significados sociales, culturales y emocionales. La literatura crítica revela que el retorno se configura como un acto físico de regreso, pero también como un proceso simbólico de reconciliación con la tierra natal, en el que se negocian las tensiones entre la experiencia migratoria y el deseo de pertenencia. En este sentido, la literatura crítica permite comprender el retorno como un espacio de memoria y resignificación, donde la migración se completa en el reencuentro con las raíces.

La presente ponencia examina la representación del proceso emigratorio internacional de los ecuatorianos en los ensayos y estudios sociológicos contemporáneos, con el fin de reconocer los principales enfoques interpretativos, imágenes del sujeto migrante y problemáticas sociales que emergen en torno a este fenómeno. La emigración ecuatoriana, intensificada en las últimas décadas, ha transformado no solo la estructura económica y demográfica del país, sino también las dinámicas afectivas, familiares, culturales e identitarias de amplios sectores de la población.

Desde una perspectiva interdisciplinaria, el trabajo articula el análisis del ensayo —entendido como espacio de reflexión crítica y de elaboración simbólica— con los estudios sociológicos que abordan la migración como proceso histórico, social y transnacional. A partir de esta convergencia, se estudia cómo dichas escrituras construyen sentidos sobre el desarraigo, la nostalgia, la precariedad, la fragmentación familiar, las remesas, la memoria y la reconfiguración de la identidad nacional.

Los problemas relacionados con la emigración internacional de ecuatorianos y los sujetos sociales que la protagonizan se han constituido en objeto de recreación y representación en diversas expresiones de la cultura artística: artes musicales, artes plásticas, artes cinematográficas y artes literarias, en sus principales géneros: novela, cuento, testimonio, poesía, crónica, teatro y ensayo. En el género ensayístico se advierte que existe un corpus significativo de obras que tienen como referente real el fenómeno sociológico de la emigración internacional originada en el Ecuador. No obstante los ensayos existentes, todavía no hay estudios que valoren, de manera conjunta, la aportación de estas obras a la literatura de nuestro país y a la comprensión de las problemáticas vinculadas con el desplazamiento internacional de ecuatorianos. En razón de lo antes esbozado se estima pertinente desarrollar una investigación que permita analizar, valorar e interpretar los ensayos literarios, que se han escrito teniendo como base las problemáticas vinculadas con la emigración internacional de ecuatorianos. Con el empleo de la metodología y técnicas propias de la investigación bibliográfica documental se demostrará que existe una significativa representación del proceso emigratorio de ecuatorianos; de los rasgos identitarios más destacados de los protagonistas del desplazamiento físico procedente del Ecuador; y, un pormenorizado análisis de las causas que motivan el afán de retornar, de los emigrantes ecuatorianos, según las obras de ensayo literario, que se constituyen en objeto de análisis y valoración.

Este trabajo propone un examen crítico de la noción de realismo en la literatura ecuatoriana, desmarcándose de las definiciones tradicionales que lo reducen a una técnica o poética. El estudio toma como eje central La Emancipada (1863) de Miguel Riofrío, una obra fundacional cuyo lugar en el corpus literario nacional es problematizado desde una perspectiva sociocrítica, cuestionando las lecturas canónicas que la han adscrito a una tradición realista homogénea. Para ello, se plantea una desestabilización de los conceptos teóricos hegemónicos sobre el realismo, confrontando las postulaciones de Mijaíl Bajtín y György Lukács con el objetivo de evidenciar sus limitaciones para abordar la complejidad del texto decimonónico ecuatoriano. En contraposición a las rutas clásicas que vinculan el realismo únicamente con los cánones estéticos de la Generación del 30, este trabajo propone construir una genealogía alternativa. Siguiendo los planteamientos de Sandra Contreras sobre las "escrituras del presente", se busca rastrear en Riofrío y en otras manifestaciones literarias los vestigios de un realismo otro, que anticipa y complejiza las formas de representación de lo social. De esta manera, se pretende no solo revisar la inserción histórica de La Emancipada, sino también redefinir los alcances del realismo en la tradición literaria ecuatoriana, al reconocerlo como una práctica escritural heterogénea que escapa a los márgenes impuestos por la historiografía literaria tradicional.

Presentación del ensayo “El exilio elegido” que pertenece al libro “¡Los héroes odian las palabras!” en el que el autor ahonda en su experiencia vivencial pero también lectora de lo familiar y lo extranjero. Nuestro panel interdisciplinar presenta y explora la mirada de cuatro ecuatorianos cuyas obras son producto del viaje y lo que este despierta en la vena reflexiva y artística. A través de la crónica, la fotografía, el ensayo y el cómic, haremos un recorrido por la sensibilidad artística de estos autores, el retrato de lo ajeno y el afuera y su particular forma de extranjería.

Análisis de la obra más reciente de la cronista ecuatoriana Sabrina Duque. Nuestro panel interdisciplinar presenta y explora la mirada de cuatro ecuatorianos cuyas obras son producto del viaje y lo que este despierta en la vena reflexiva y artística. A través de la crónica, la fotografía, el ensayo y el cómic, haremos un recorrido por la sensibilidad artística de estos autores, el retrato de lo ajeno y el afuera y su particular forma de extranjería.

Presentación de una crónica de fotografía artística sobre el paisaje, arquitectura, arte y cultura de Rusia. Aprender el idioma, vivir y estudiar durante tres años en este país significó una oportunidad de aproximación cercana al espíritu de Rusia, de su gente y su forma de vida. Reflexiones sobre el viaje, el país interior, lo estético propio y lo estético ajeno acompañan esta presentación. Nuestro panel interdisciplinar presenta y explora la mirada de cuatro ecuatorianos cuyas obras son producto del viaje y lo que este despierta en la vena reflexiva y artística. A través de la crónica, la fotografía, el ensayo y el cómic, haremos un recorrido por la sensibilidad artística de estos autores, el retrato de lo ajeno y el afuera y su particular forma de extranjería.

A partir de un breve recorrido por la historia del cómic ecuatoriano, el análisis se centra en uno de sus primeros exponentes, el guayaquileño Tama Paz, dibujante y periodista cultural, amigo de Medardo Ángel Silva, quien viaja a estudiar a Alemania y se propone narrar en un único proyecto de cómic, la historia de su vida y la del siglo XX. Nuestro panel interdisciplinar presenta y explora la mirada de cuatro ecuatorianos cuyas obras son producto del viaje y lo que este despierta en la vena reflexiva y artística. A través de la crónica, la fotografía, el ensayo y el cómic, haremos un recorrido por la sensibilidad artística de estos autores, el retrato de lo ajeno y el afuera y su particular forma de extranjería.

Guayaquil, la ciudad del puerto, del río y del estero, del comercio y del tránsito desordenado, de la aurora caprichosa y madrugadora que anuncia impunidad, el espacio que habitamos; es nuestro destinatario. Nosotras las remitentes, le escribimos, pues no tenemos armoniosos cánticos para saludarla, pues la propia cotidianidad parece desmoronarse y la tranquilidad de habitarla se transforma en un privilegio de clases. Así, diez residentes que son transeúntes y visitantes, en cartas escritas desde la desesperación y la urgencia, intentan encontrar la fuerza sanadora, la luz amable. Conversaciones con una ciudad que amamos, le hablamos, le gritamos, le contamos lo que nos pasa con ella. Lo que nos pasa en ella. Cartas que no sabemos cómo hacérselas llegar, porque la ciudad, las cartas y nosotros mismos estamos extraviados.

Esta ponencia propone un marco analítico para abordar la literatura ecuatoriana desde lo que denomino el “sistema de reproducción formalista”. A partir de un diálogo entre el formalismo ruso y la teoría del sistema de reproducción social de Bolívar Echeverría, propongo comprender la obra literaria no solo como artefacto estético, sino como un espacio donde se articulan formas de producción, consumo y subjetivación social. En particular, se analiza Sollozo por Pedro Jara (1978) de Efraín Jara Idrovo como un caso paradigmático: un poema que, en su intento de reconstruir al hijo suicida mediante el lenguaje, despliega un complejo entramado de funciones cardinales (que impulsan la historia) e indiciales (que configuran la identidad del personaje). Esta distinción revela cómo el lector se convierte en co-productor del texto al elegir qué aspectos del personaje asumir, mientras el autor fetichiza la memoria familiar a través de un proceso civilizatorio que toma a las Islas Galápagos como materia prima simbólica. El sistema de reproducción formalista permite, entonces, desmontar la supuesta autonomía del texto literario y mostrar su inscripción en lógicas de poder, herencia y disciplinamiento. Propongo esta herramienta como una vía para renovar la crítica literaria ecuatoriana, superando lecturas canónicas y abriendo el corpus a preguntas sobre violencia simbólica, género y memoria.

América Latina y de manera más precisa el Ecuador presenta rasgos de su idiosincrasia en algunos de sus discursos literarios, en ese sentido los narradores ecuatorianos del 30 no escapan de ello al plantear un escenario en el que emergen situaciones y acciones en las que se denuncian actos de violencia, maltrato producto de una subordinación y un dominio histórico. Para esta investigación se tomarán en cuenta los autores quienes publicaron en el año 1930 el texto titulado “Los que se van”, a saber, Enrique Gil Gilbert, Joaquín Gallegos Lara y Demetrio Aguilera Malta también conocidos como el grupo de Guayaquil. Además, es importante destacar que se trabajará el texto publicado en Venezuela por Biblioteca Ayacucho cuyo prólogo fue preparado por Jorge Enrique Adoum el cual goza de notoriedad histórica y cuyas bases argumentales están muy bien elaboradas. Por otra parte, el texto es bastante esclarecedor por tanto contiene una fina selección y cronología realizada por el escritor, periodista y político Pedro Jorge Vera. Entre los textos y autores de corte teórico se utilizarán referencias como Bolívar Echeverría, Michel Foucault, Frantz Fanon, Everett V. Stonequist y algunos otros libros que sugieren el despertar de esta tierra latinoamericana.

Esta ponencia propone una lectura crítica del miedo como estructura cultural en el Ecuador, a partir del cruce entre relatos de tradición oral y formas contemporáneas de violencia. A través del análisis de memorias personales y narrativas heredadas, como las historias del diablo, las viudas o los duendes, se examina cómo el miedo ha operado históricamente como un mecanismo de regulación social, transmitido y actualizado mediante la oralidad. El análisis se articula con un caso reciente de violencia estatal en Guayaquil, que permite evidenciar la persistencia y reconfiguración de estas lógicas en el presente. En este sentido, se plantea que el miedo no solo organiza los imaginarios culturales, sino que estructura activamente relaciones de poder atravesadas por procesos de racialización, criminalización y exclusión social. En diálogo con los estudios culturales, la teoría social del miedo y las memorias situadas, la ponencia sostiene que no existe una ruptura entre lo mítico y lo real, sino una continuidad operativa. Así, las narrativas tradicionales de terror no desaparecen, sino que se rearticulan en formas contemporáneas de violencia, contribuyendo a legitimar la desigualdad estructural y la precarización diferencial de ciertas vidas.

Aves, plantas y cuerpos en transformación atraviesan las obras de Ana Cristina Barragán y Natalia García Freire, donde la experiencia de la adolescencia femenina se configura desde el encierro, la opacidad y una relación intensificada con lo no humano. En la película La piel pulpo (2022) y en el cuento “Amor mío, corazón de otro” (2022), los cuerpos —atravesados por afectos que no logran nombrarse del todo— desbordan las formas esperadas de lo femenino y se sitúan en una zona de indeterminación entre lo humano y lo animal. Este trabajo propone leer ambas obras a partir de elementos como lo mínimo, es decir, de una poética del susurro: un lenguaje que se repliega hacia lo no articulado, hacia lo apenas audible, y que, en ese gesto, se aproxima a una dimensión prelingüística y corporal (por tanto, animal o natural). Pero también pensando la idea de lo salvaje en esos cuerpos adolescentes que se niegan a ser domesticados. En ese sentido, lo animal es la fuga que les permite construir, de a poco, identidades propias en medio del caos que significa crecer. Debido a eso, en ambas obras el cuerpo y sus devenires constituyen una experiencia donde lenguaje, cuerpo y afecto se ven atravesados por intensidades, y, en este cruce, el susurro y la animalidad operan como formas de resistencia ante la construcción de sentidos o identidades fijas, abriendo así un espacio donde lo femenino se reinscribe desde lo visceral, lo afectivo y lo no humano.

Las obras que conforman la trilogía son: Me llamo Claudia Cardinale, de María Paulina Briones; La noche artificial, de Solange Rodríguez Pappe; y Objetos del cielo profundo, de Andrea Crespo Granda. Las tres fueron publicadas por la editorial Cadáver Exquisito en 2025, bajo su sello Flâneuse. Este ensayo plantea que la trilogía Onirias constituye una exploración narrativa del sueño, la alucinación y el fragmento como recurso; a través de estos elementos, cuestiona las formas estables en las que se percibe la identidad y la realidad. La escritura de las tres autoras se desplaza en los límites de lo íntimo, lo onírico y lo material; configuran, de un modo muy interesante, una poética íntima que es interpelada por el mundo de los sueños, del recuerdo, de los vaivenes del mundo onírico. La trilogía propone el sueño como un espacio de revelación, cuestionamiento y lucidez en el que se expresan, por ejemplo, la memoria de una Guayaquil ya pasada y, del mismo modo, el desasosiego de cuerpos atravesados por vidas complejas. El ensayo se desarrolla desde un enfoque de análisis literario comparado que busca articular algunas nociones de la teoría y la crítica literaria contemporáneas, en especial aquellas que atañen al cuerpo, lo fragmentario y el espacio. El análisis evidencia que la trilogía presenta una narrativa en la que el sueño desempeña un papel estructural y epistemológico, quitándole así el rol meramente temático que suele tener. Otro hallazgo del ensayo es la relación entre el sueño (como fuente epistemológica) y el cuerpo de las mujeres que aparecen en las tres novelas: cuerpos afectados, frágiles o que fingen potencia, siempre al borde del colapso, que sueñan y que, de algún modo, se constituyen en el mundo onírico. Finalmente, el trabajo concluye que la trilogía propone una reconfiguración contemporánea de lo fantástico atravesado por la realidad, desde una sensibilidad íntima y corporal, donde la proximidad con el sueño sirve de vehículo para esa exploración de fisuras emocionales, existenciales y políticas

Esta ponencia propone un análisis comparatista de las obras de Eduardo Solá Franco y Mariella García Caputti con el fin de examinar dos modos divergentes de inscripción en la modernidad artística ecuatoriana. Mientras Solá Franco desarrolla una estética de la subjetividad, el cosmopolitismo y la autofiguración, marcada por el desplazamiento y la performatividad, García Caputti construye una poética de la materia basada en la memoria ancestral, la sedimentación temporal y la reactivación simbólica de lo telúrico. El estudio sostiene que ambas propuestas constituyen expresiones límite de las tensiones internas de la llamada Escuela de Guayaquil, entendida como un campo heterogéneo y no como una corriente estilística homogénea. Desde un enfoque interdisciplinario que articula historia del arte, estudios visuales y teoría de la modernidad, el análisis visual comparado demuestra que estas obras amplían el horizonte de la pintura ecuatoriana al replantear las relaciones entre imagen, memoria, cuerpo y experiencia, y permiten concebir la modernidad artística ecuatoriana como un proceso atravesado por temporalidades y sensibilidades en conflicto.

La historia del teatro ecuatoriano se ha construido y estudiado por los hacedores especializados: dramaturgos, directores, actores, grupos independientes; sin embargo, existe una amplia e importante dramaturgia escrita por narradores y/o poetas que no ha sido visibilizada y cuyo estudio está pendiente. Configuración que va desde Montalvo hasta la Generación del 30, con Aguilera, Icaza, Ortiz, Salvador, Palacio.

La presente ponencia problematiza la centralidad del espectáculo como paradigma dominante en la gestión cultural en el espacio público. A partir de diez años de trabajo en distintos países de América Latina, y desde 2020 en instancias de la Secretaría de Cultura de Quito, se plantea la necesidad de ampliar los marcos de comprensión y evaluación de las prácticas artísticas más allá de los indicadores tradicionales de visibilidad y cantidad de espectadores. En este contexto, se analizan las tensiones entre producción de eventos y sostenibilidad de procesos, así como las limitaciones estructurales que enfrentan iniciativas orientadas a la escucha, la presencia y el conflicto como dimensiones de lo público. Frente a una lógica institucional centrada en la programación de espectáculos y el consumo inmediato, se propone pensar el espacio público como un campo de relaciones, donde las prácticas artísticas operan como dispositivos de encuentro y producción de sentido colectivo. Como caso de estudio, se presenta el proyecto La Plaza del Teatro: territorio en conflicto (2024) y El teatro y su territorio (2025), desarrollados en la Plaza del Teatro Sucre en Quito, que buscan visibilizar las dinámicas sociales, afectivas y políticas que habitan este espacio, desbordando las nociones tradicionales de escena, público y representación. Este enfoque cuestiona la figura del espectador pasivo y propone formas de participación situadas, donde el acontecimiento no puede ser completamente anticipado ni controlado. Finalmente, la ponencia abre un debate sobre el rol de las instituciones culturales, interrogando modelos de financiamiento, planificación e impacto, y proponiendo reconfigurar los indicadores hacia formas que reconozcan el valor del proceso, la temporalidad extendida y la complejidad social.

Guayaquil, una ciudad con altos índices de violencia, tiene también una rica y variada actividad cultural, que la mayoría de las veces pasa inadvertida para el gran público, pues los medios de comunicación ofrecen una magra cobertura. En la actualidad se han incrementado los clubes de lectura, espacios que reúnen a una comunidad lectora o aspirante a serlo. Originalmente, los poquísimos clubes existentes en esta ciudad eran privados e integrados, sobre todo, por mujeres de clase media alta, lo cual abonaba en la idea de la lectura como un ejercicio reservado a las élites. Esta dinámica se mantiene. Sin embargo, ha surgido, en la actualidad, también una diversidad de actores culturales que desde espacios individuales o colectivos, públicos o privados, presenciales o virtuales, difunden el gusto por la lectura.

El Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC) creó hace tres años y medio un club de lectura gratuito, como una alternativa cultural, como una forma de democratizar el acceso a la lectura sin costo alguno, pues la lectura, a más de un derecho cultural, es un derecho humano, como afirma el escritor y crítico brasileño Antonio Cándido. Desde entonces, este espacio quincenal del museo se mantiene con una gran aceptación. Asiste un numeroso público heterogéneo y mixto, con lo cual se impugna esa idea extendida de que a los clubes de lectura solo asisten mujeres. Pero, además, a través de este club se teje comunidad, se incentiva el diálogo intergeneracional y, por supuesto, se lee la producción literaria ecuatoriana, latinoamericana y del mundo.

La novela Matilda, de Roald Dahl, desarrolla una narrativa única, especial, en la que Matilda demuestra el poder que los libros tienen como herramienta intelectual para enfrentar el mundo a través de los desafíos que le muestra la lectura y enfrentar las adversidades que, como niña, sufre en su entorno familiar y educativo. Así, los libros, como tesis esencial de este trabajo de reflexión, le permiten acceder a conocimientos muy novedosos para su edad, con perspectivas y experiencias que le ayudan a crecer y a madurar como persona; lo cual demuestra cómo la lectura le posibilita educarse para tener cultura y una alta cognición intelectual para empoderarse de los problemas cotidianos con la seguridad que su intelecto lector le permite para enfrentar los desafíos de la vida. En este contexto, la propuesta de investigación en este trabajo consiste en preguntarse ¿cómo una niña logra desarrollar su potencial intelectual y psico-socio-educativo a partir de la lectura de textos literarios, de manera que pueda, desde la ficción, plantearse desafíos ante la vida cotidiana que pueden servirle a la niñez que en nuestro país se educa, para que, desde la práctica lectora, pueda desarrollar su vocación estudiantil desde la pragmática textual de la literatura para la robustez intelectual, estética, cognitiva y lingüística que la lectura promueve? Para ello, esta investigación se enmarca teóricamente en estudios que analizan la conducta lectora desde varias ópticas en contextos educativos de la región que examinan cómo el modelo de la lectura representado en Matilda dialoga con las propuestas consignadas en Orozco López (2021), en torno a la mirada literaria para niños; o como la de Petit, (2008) sobre Lecturas: del espacio íntimo al espacio público; la de Ramírez Bañuelos (2021) acerca de “El libro que somos. La lectura desde la cuna y en la primera infancia”; asimismo, la de Vargas Llosa (2015), en Elogio de la educación, o la de Guerrero-Jiménez (2022) en el contexto ecuatoriano, con su propuesta sobre Lectura crítica desde una estética y ética del pensamiento metacognitivo y matalingüístico; con lo cual, de alguna manera, estos estudios se compaginan” con los retos que enfrenta la formación lectora en el Ecuador contemporáneo”, y cuyos resultados, en esta propuesta ensayística, llegan a concluir que, cuando se lee, se aprende, se disfruta, se reflexiona, se cuestiona, se discute, se discrepa, se recrea, se imagina, se conversa, se conoce, se burla, se mofa y critica el sistema social y educativo, pero con finura, tal como aparece retratada Matilda a lo largo de toda la novela.

El cristal con que se mira es un atlas de la narrativa ecuatoriana: un libro monumental donde confluyen generaciones, estilos y visiones del país. Con un recorrido que abarca desde Riofrío y Mera hasta Mónica Ojeda y los nuevos narradores, pasando por la Generación del 30, el vanguardismo y la literatura urbana, Ubidia cartografía la memoria, las obsesiones y los sueños de la narrativa ecuatoriana entre 1863 y 2025.

«Una hazaña literaria de Abdón Ubidia que no solo narra historias, sino que cartografía la memoria, las obsesiones y los sueños de un país entero. Una obra monumental que dialoga con las principales corrientes de nuestra tradición literaria y confirma a su autor como una de las voces fundamentales de las letras ecuatorianas.» — Javier Villacís

«El cristal con que se mira es un recorrido erudito resultado de años de lecturas de las obras señeras de la literatura ecuatoriana. Con este libro, Abdón Ubidia saca a relucir sus dotes como crítico literario, presentándonos un trabajo riguroso que contextualiza los textos al interior de sus diferentes corrientes. Estamos ante un libro muy bien fundamentado que pronto se convertirá en referencia obligatoria en los estudios literarios del Ecuador.» — Lizardo Herrera

El salto a la narrativa de la poeta y escritora Andrea Crespo Granda, con sus primeras novelas Los cielos de marzo (arquitectura doméstica de los años) y Objetos del cielo profundo (los inventarios immateriales), se inscribe en un juego experimental de escritura atravesado por una fuerza pulsional capaz de confrontar el límite de lo decible con la invención de una lengua otra. Su universo narrativo parece construirse con la materia residual entre la vida y el sueño, donde lo íntimo se traduce en un signo visceral, en una apuestra radical por los afectos que bordean heridas que solo se pueden nombrar desde otra lógica de la expresión. En su narrativa, la palabra poética invita al acontecimiento como experiencia posible del sentido frente a las cartografías del horror y el espectáculo que condiciona la arquitectura del presente. Este artículo se interesa por revisar las estrategias de invención en la narrativa de Andrea Crespo para reflexionar sobre su propuesta formal, sostenida desde lo fragmentario, inacabado, y el montaje, así como una pulsión poética que transforma lo íntimo en una constelación de afectos y percepciones que interpelan el límite de lo decible. Este trabajo analizará la configuración de una semiótica personal entre lo doméstico y onírico que se compone de los pedazos de la ciudad-manglar, la experiencia cotidiana y sus fisuras, la memoria y sus vacíos, la geografía de los cuerpos y el deseo.

Esta ponencia propone prácticas de montaje como método de escritura. Los resultados de este modo de escritura producen sentidos, a la vez, a través de su carácter literario y de sus atributos visuales. Los principales referentes para este tipo de escritura son las obras de Georges Perec y las propuestas prácticas y teóricas del poeta Kenneth Goldsmith (cf. Theory, 2015 y La escritura no creativa en la era digital, 2011). A partir de estos preceptos, se analizarán casos específicos en los que la escritura se basa en el montaje de textos preexistentes; al ser conjugados y emplazados en otro contexto, estos constituyen una nueva propuesta enmarcada en un espacio-tiempo específico. Este tipo de desplazamiento es similar a la operación del ready-made en las artes visuales. También se estudiarán propuestas en las que los textos se ensamblan como imágenes, o con imágenes, resultando en formas de escritura en las que los lenguajes textual y visual producen conjuntamente nuevos sentidos.

Partiendo de la relación entre el sueño, la creación y la transformación social, este proyecto explora el pensamiento de mujeres ecuatorianas cuyas visiones impulsaron cambios culturales, políticos y sociales. Desde esta perspectiva, la capacidad de soñar se entiende como una condición previa para la acción transformadora. En esta ponencia se presentará Sueños, proyecto de investigación artística de Gabriela Rivadeneira Crespo, ganador del Fondo de Fomento de las Artes, Cultura e Innovación 2025–2026 y parte de Soñando en Red (S.E.R.). The Makers, de la Universidad de las Artes. A través de instalaciones sonoras, lumínicas y plásticas, el proyecto recupera y reactiva las voces, escritos y pensamientos de mujeres ecuatorianas que defendieron la igualdad y la libertad y cuestionaron diversas formas de exclusión entre los siglos XVIII y XX. La propuesta busca revalorizar estos legados como herramientas para la reflexión crítica, la construcción de imaginarios alternativos y la proyección de futuros posibles.

Las redes sociales ofrecen una amplia libertad en cuanto al contenido que se muestra públicamente, lo que permite a los usuarios configurar una identidad digital propia. En el caso de los escritores y escritoras, su figura pública estuvo tradicionalmente mediada por editoriales y la prensa cultural, instancias que aún influyen en la circulación y visibilidad de sus obras, pero que ya no determinan por completo los discursos y mensajes que transmiten fuera del ámbito estrictamente literario. En este contexto surgen algunas preguntas: ¿cómo utilizan los escritores ecuatorianos las redes sociales?, ¿qué tipo de autor aparece en este entorno?

Instagram funciona como un espacio de autorrepresentación performativa, donde los escritores ecuatorianos construyen y gestionan su perfil mediante publicaciones que combinan procesos de escritura, reflexión, crítica social y política, promoción editorial, reseñas y recomendaciones de lectura. Este tipo de contenido se ha identificado en autores contemporáneos con presencia activa en la plataforma, entre ellos María Fernanda Ampuero, Santiago Páez, Óscar Vela, Lucrecia Maldonado, Yuliana Ortiz y Mónica Ojeda.

A partir del análisis de sus publicaciones, esta ponencia examina los modos en que cada escritor configura su presencia digital y, especialmente, cómo este contenido dialoga con su obra, ya sea de forma directa o indirecta. En este sentido, Instagram se presenta como un espacio donde se negocian nuevas formas de visibilidad y construcción de la figura autorial en la literatura ecuatoriana contemporánea, lo que permite pensar estas prácticas como una reconfiguración de la autoría y una expansión del paratexto en el entorno digital.

Desde 2020, la circulación de la literatura contemporánea ecuatoriana ya no puede entenderse únicamente a partir de la publicación impresa y su distribución en librerías físicas. En el contexto pospandémico, el ecosistema literario se ha reconfigurado mediante un entramado híbrido en el que intervienen plataformas digitales, comunidades lectoras, espacios culturales, y nuevas estrategias de visibilización y acceso. Esta ponencia propone un análisis comparativo de los modelos de circulación y distribución digital de la literatura ecuatoriana reciente en relación con tendencias del campo editorial contemporáneo, como la expansión de los catálogos digitales en español, el crecimiento del ebook y el audiolibro, los modelos de publicación y circulación directa autor-lector.

Esta ponencia presenta el proceso de creación del libro Guayaquil al caer la noche, un proyecto editorial de carácter colectivo que articula escritura, diseño y producción material como parte de una experiencia de formación en literatura. El libro, de formato breve, reúne una crónica y un relato corto que abordan la ciudad de Guayaquil desde una perspectiva nocturna, proponiendo una aproximación sensible a sus atmósferas, recorridos y formas de habitarla.

Más allá del resultado final, el proyecto se concibe como un ejercicio integral de producción, en el que sus autoras participaron en todas las etapas del proceso: conceptualización del libro, escritura de los textos, elección del título, diseño de la portada, diagramación, selección de materiales e impresión. Este recorrido implicó también un acercamiento directo al trabajo editorial en taller, incluyendo decisiones relacionadas con el formato físico del libro, el tipo de papel y los acabados, lo que permitió comprender el libro no solo como un contenedor de textos, sino como un objeto cultural construido desde múltiples dimensiones.

A partir de esta experiencia, la ponencia propone reflexionar sobre las prácticas contemporáneas de producción cultural en el Ecuador, particularmente aquellas que surgen desde lo colectivo y que integran tanto lo creativo como lo material. En este sentido, se plantea que la escritura deja de ser una actividad aislada para convertirse en un proceso compartido que dialoga con saberes editoriales, visuales y técnicos.

Asimismo, se analiza la representación de Guayaquil como espacio narrativo, enfocándose en la construcción de la noche como un territorio simbólico que activa distintas percepciones de la ciudad: lo íntimo, lo incierto, lo cotidiano y lo marginal. La noche, en este contexto, no solo funciona como escenario, sino como una forma de mirar y reconfigurar la experiencia urbana.

De este modo, la ponencia sitúa Guayaquil al caer la noche como un ejemplo de producción cultural contemporánea que vincula literatura, edición y experiencia urbana, evidenciando el potencial de los procesos colectivos para generar nuevas formas de narrar y habitar la ciudad.

Esta ponencia analiza Geometrías Vivas (GV) como modelo emergente de gestión cultural independiente en el Ecuador, a partir de las publicaciones reflexivas y los textos de libre formato generados por la plataforma desde su fundación en 2025. El caso de GV permite examinar cómo colectivos escénicos autogestivos construyen infraestructuras de producción, circulación y archivo en contextos de precariedad institucional —ilustrada por la eliminación de la autonomía del Ministerio de Cultura y Patrimonio en 2025. El centro de la discusión son dos obras que se leen en diálogo. Rituales Itinerantes: Performance y Territorio, propuesta site-specific, y Mal/Entiéndeme, que aborda el cuerpo como lugar de traducción fallida y cuya génesis —un proceso de laboratorio que no pudo sostenerse y derivó en una estrategia de supervivencia económica— se publica como fanzine interactivo en geometriasvivas.com. Desde la plataforma transmedia geometriasvivas.com, los artistas han desarrollado un sistema de documentación que no registra únicamente el resultado final sino el proceso creativo en su totalidad —ensayos, jam sessions, textos de proceso, videodanza— constituyendo un archivo vivo de metodologías corporales y saberes situados. Esta dimensión transmedia opera como una política cultural en sí misma: una forma de democratizar el conocimiento artístico en contextos latinoamericanos descentralizados. La pregunta que articula la ponencia retoma la formulada por los propios artistas: ¿qué lugar puede ocupar la performatividad entendida como ritual en el Ecuador de hoy, cuando irrumpe las formas convencionales de producción escénica y propone otras formas de presencia, afectación y transformación de la realidad?

Esta ponencia analiza los memes como una forma central de producción simbólica en la cultura política digital ecuatoriana desde 2020. En el contexto de expansión de las redes sociales, los memes han dejado de ser expresiones humorísticas marginales para convertirse en artefactos culturales que condensan imaginarios sociales, afectos colectivos y posicionamientos ideológicos. El trabajo se sustenta en un marco teórico interdisciplinario que articula los estudios sobre cultura digital y memética (Limor Shifman), la teoría de la cultura participativa y la circulación mediática (Henry Jenkins), así como los aportes sobre producción simbólica e imaginarios sociales desde los estudios culturales latinoamericanos (Néstor García Canclini). A partir de un enfoque cualitativo, se analiza memes difundidos en plataformas como Facebook, Instagram y TikTok, producidos en torno a coyunturas clave del periodo reciente, como las elecciones presidenciales de 2021, las protestas sociales de 2022 y los debates políticos contemporáneos. Se incluyen casos como la página Crudo Ecuador, así como contenidos generados por cuentas de humor político que han alcanzado amplia circulación. La ponencia sostiene que los memes funcionan como una tecnología cultural que reorganiza la comunicación política, haciéndola más accesible y emocional, al tiempo que contribuyen a la polarización y simplificación del debate público. En este sentido, se propone entender la cultura digital ecuatoriana como un espacio de producción simbólica en red, donde los imaginarios políticos se disputan y transforman constantemente.

Este artículo analiza cómo Triángulo Fúser. La despechada, poética y fantasmagórica vida de Ernesto antes del Che (2023), del escritor ecuatoriano Ernesto Carrión, problematiza el mito revolucionario a partir de la representación de la ciudad y de los cuerpos disidentes en el Guayaquil de mediados del siglo XX y de las últimas décadas del siglo pasado. Desde un enfoque interdisciplinario, se examina cómo la novela desplaza la figura del Che desde la épica heroica hacia un “Ernesto antes del mito”, vulnerable y atravesado por el deseo, al tiempo que inscribe en la diégesis las violencias ejercidas contra sujetos LGBT en el contexto urbano ecuatoriano.

El estudio se apoya en aportes sobre mito político, memoria y archivo, así como en perspectivas críticas sobre las sexualidades disidentes en la literatura latinoamericana contemporánea. En este marco, se revisan los procedimientos formales de Carrión —montaje de materiales documentales, voces múltiples, pasajes que simulan un guion cinematográfico— como recursos que tensionan la frontera entre la historia oficial y el relato literario.

Los hallazgos sugieren que Triángulo Fúser no solo cuestiona la imagen cristalizada del Che como héroe revolucionario, sino que propone una reconfiguración del heroísmo desde la fragilidad, la marginalidad y la resistencia cotidiana, convirtiendo a la novela en un espacio privilegiado para repensar la relación entre mito, ciudad y memoria en la producción cultural ecuatoriana reciente.

Las escrituras del duelo en las obras de mujeres ecuatorianas contemporáneas se configuran como una potencia epistemológica que indaga la relación inmanente entre vida y muerte. En esta línea, se repasan las inflexiones de una poética de la ausencia, en la que la muerte de un ser no solo rotula la finitud de la vida, sino que abre una aproximación al límite ontológico de la materia. Así, la escritura del duelo produce un lenguaje capaz de nombrar lo inenarrable, cuestionando la noción de extinción absoluta y proponiendo, en su lugar, una presencia intermitente del ser ausente, que se reinscribe en las memorias, los objetos, los gestos, es decir, en las huellas de su existencia. El propósito de este ejercicio crítico es reflexionar sobre las propuestas de las autoras ecuatorianas Alicia Ortega, María Paulina Briones, Daniela Alcívar y Solange Rodríguez, cuyas obras indagan en las experiencias que deja la muerte a partir de archivos afectivos, poéticas de lo íntimo, la memoria y la espectralidad del ser. Se busca dilucidar cómo estas narrativas postulan una reorganización de lo sensible que, en clave derridiana, concibe la muerte como una experiencia aporética: un acontecimiento que revela la ausencia como un fenómeno que interpela y permea la identidad, configurándola como un campo afectivo en constante rearticulación a través del lenguaje.

La narrativa contemporánea ecuatoriana se ha caracterizado por una exploración de la relación entre lenguaje, experiencia y subjetividad. Sanguínea (2019), novela de Gabriela Ponce no es la excepción: narra el cuerpo, que funciona como el lugar desde el que se produce y cuenta la historia. Leída desde la idea de conocimiento situado, permite una materialización del cuerpo en la que el saber se construye en y desde la experiencia corporal. En esta ponencia, propongo que el cuerpo es un espacio de producción de conocimiento que privilegia la experiencia como forma de enfrentar el mundo, dialogando con debates actuales sobre corporalidades y lenguaje, así como con otras propuestas de la narrativa ecuatoriana reciente.

Esta ponencia propone una lectura crítica de la obra poética Cuerpo presente de la escritora ecuatoriana Siomara España desde un enfoque semiótico— discursivo en diálogo con la teoría de la performatividad de género de Judith Butler (1993). El poemario, construido a partir de la yuxtaposición entre crónica periodística y lenguaje poético, problematiza hechos de violencia contra las mujeres y cuestiona las estructuras de poder del patriarcado. Además, utiliza el cuerpo femenino como signo que simboliza un territorio de resistencia. Mediante el análisis de fragmentos de poemas de Cuerpo presente se muestra como se tensionan las representaciones tradicionales del cuerpo femenino y se plantea procesos de resignificación que desplazan la victimización hacia formas de resistencia. El análisis busca explorar las posibilidades críticas que surgen en el diálogo entre poesía, cuerpo y resistencia, visibilizando las voces que a lo largo de la historia han sido silenciadas.

La literatura latinoamericana contemporánea se caracteriza por un sostenido cuestionamiento de las normativas sociales y por la visibilización de problemáticas como la marginalidad, la violencia y la transgresión de los límites corporales y simbólicos. Estas dimensiones dialogan con la teoría de la abyección propuesta por Julia Kristeva, la cual permite examinar aquello que desestabiliza el orden y confronta los sistemas de significación. Desde esta perspectiva, Pelea de gallos (2018), de María Fernanda Ampuero, configura un universo narrativo donde se representan experiencias que perturban las normas sociales y evidencian formas de violencia naturalizadas. El objetivo de esta ponencia es analizar las formas de representación de la abyección en la obra mencionada, con el fin de aportar al debate crítico de la literatura ecuatoriana contemporánea. Metodológicamente, se adopta un enfoque cualitativo de carácter interpretativo, basado en el método hermenéutico. Este se articula mediante un diálogo entre el corpus literario y los postulados teóricos de Kristeva, a partir de un proceso de lectura analítica y categorial que permite identificar recurrencias, símbolos y configuraciones discursivas asociadas a lo abyecto.Los resultados evidencian que en Pelea de gallos se despliegan diversas dimensiones de la abyección a través de la representación de cuerpos violentados, la presencia de fluidos corporales, conductas degradantes, un lenguaje fragmentado y estados de disolución mental. En conclusión, la abyección se constituye como un eje central en la narrativa de Ampuero, desde el cual se articula una crítica al control social y a los patrones morales hegemónicos, particularmente aquellos que recaen sobre los cuerpos femeninos, abriendo además posibilidades para futuros estudios interdisciplinarios en el contexto latinoamericano.

La propuesta está basada en el libro publicado "Ruralidad de Santa Rita, Cantón Chone, Agroturismo, Gastronomía y Cultura", enfocando el territorio de una parroquia del cantón Chone con bondades culturales, turísticas y gastronómicas. La metodología tiene un enfoque descriptivo y exploratorio de tipo cualitativa, enfocando aspectos culturales , diagnóstico de territorio en cual se establece en la ruta de los Ranchos, un sector de bosque seco tropical privilegiado con una extensa vegetación agrícola y una riqueza histórica cultural montubia, adicional a los circuitos turísticos que conectan la ruta de los Ranchos con los sistemas fluviales en el caso de ríos y cascadas, se ha desarrollado entrevistas a dirigentes comunitarios para enfocar los aspectos relevantes del desarrollo social y económico del territorio, también se realiza un análisis de la literatura para determinar los aspectos culturales e históricas que se diversifican en las diferentes prácticas gastronómicas y culturales, por ejemplo: El uso del horno de leña , las leyendas y amorfinos.

Es una investigación de archivo y curaduría documental en torno a la trayectoria institucional del taller de literatura Pa’labrar, adscrito desde 1992 a la Casa de la Cultura Ecuatoriana, Núcleo de Loja. El proyecto tuvo varias fases indagatorias y de reconstrucción histórica en torno a diversos ejes como: escritores destacados que forman y/o han formado parte del espacio antes mencionado, hitos de carácter editorial, eventos y congresos destacados, procesos de producción literaria, así como redes de afectividad y convivencia, entre otros. El material derivó en una exposición denominada Memorias, Pa’labrar que visibilizó los acervos documentales recopilados, evidenciando así su importancia y legado para la escena cultural y artística del sur del país.

Antes de que los algoritmos confluyan como generadores de experiencias sensibles en el ámbito cultural, es imperativo enfocarse en uno de los epicentros de la modernidad intelectual en el Ecuador de inicios del siglo XX, la prensa escrita y las revistas, que además de registrar la cotidianidad, constituyeron uno de los principales aparatos de legitimación cultural y ejes de la esfera pública. La presente ponencia expone el papel de revistas femeninas como plataforma de difusión artística y literaria, con especial énfasis en su contribución a la visibilización de la producción musical y poética de mujeres ecuatorianas. El objetivo principal es analizar cómo estas publicaciones configuraron redes de circulación cultural alternativas frente a las limitaciones impuestas por estructuras patriarcales dominantes. Metodológicamente, se recurre a un enfoque cualitativo basado en el análisis hemerográfico y discursivo de revistas femeninas de las primeras décadas del siglo XX, complementado con la revisión de fuentes secundarias. Se ha logrado evidenciar que varias publicaciones difundieron textos literarios, pero así mismo reseñas musicales, partituras y crónicas de eventos culturales, consolidando un archivo alternativo de la creación femenina, una memoria musical frecuentemente excluida de los cánones oficiales. Entre los principales hallazgos se ha percibido que pese a su corta duración (al ser iniciativas lideradas por mujeres), estas publicaciones desempeñaron un papel crucial en la legitimación simbólica de autoras. En contraste, actualmente las tecnologías digitales permiten la preservación, acceso y relectura de estos archivos, ampliando su impacto y permanencia como el trabajo que realiza el proyecto Voces y Melodías Lojanas.

La presente investigación se enmarca en el proyecto “Voces y melodías lojanas”, una iniciativa interdisciplinar orientada al estudio del patrimonio cultural desde la intersección entre música, literatura y producción simbólica local. En este contexto, se identifica una problemática persistente relacionada con la limitada visibilización del aporte de las mujeres compositoras, poetas y arreglistas en los recursos educativos disponibles, lo que incide en la reproducción de brechas de representación en los procesos formativos. El objetivo del estudio es analizar el diseño de recursos educativos abiertos como estrategia de mediación digital para la visibilización del patrimonio cultural femenino en Loja, dirigidos a estudiantes de nivel medio, conservatorios y comunidad en general. Metodológicamente, se adopta un enfoque cualitativo de tipo descriptivo-propositivo, sustentado en el análisis documental de referentes culturales locales y en la aplicación de principios de diseño instruccional para la construcción de objetos de aprendizaje abiertos. El proceso incluye la estructuración pedagógica de contenidos, la integración de elementos multimedia e interactivos y el desarrollo de prototipos digitales orientados a su posterior validación. Los resultados preliminares evidencian que la mediación digital mediante recursos educativos abiertos favorece el acceso, comprensión y resignificación del patrimonio cultural desde una perspectiva inclusiva, contribuyendo a la visibilización del rol de la mujer y al fortalecimiento de la identidad cultural local. Se concluye que la integración de tecnología educativa en la construcción de recursos abiertos constituye una estrategia pertinente para promover prácticas pedagógicas contextualizadas, críticas y orientadas a la equidad en la representación del conocimiento.

El cuerpo no es una realidad en sí, es una construcción simbólica. Para varias sociedades tradicionales el cuerpo es un continuum que guarda una identidad de sustancia con la naturaleza, la comunidad y el cosmos. Por el contrario, la sociedad occidental considera una separación entre el cuerpo/individuo y el entorno que lo rodea. El objetivo del artículo es realizar un acercamiento autoetnográfico interdisciplinario a dos objetos de estudio a través de las nociones de cuerpo y performance. Por un lado, Torotumbo, un relato del nobel guatemalteco Miguel Ángel Asturias, por otro lado, la Diablada Pillareña, una fiesta andina popular y patrimonial de los Andes del Ecuador. El método autoetnográfico permite integrar la experiencia y memoria festiva del investigador puesto que es un actor festivo implicado, al ser bailador de la Diablada Pillareña desde hace 20 años. Estos casos literarios/festivos ponen en tensión la concepción del cuerpo en la sociedad moderna occidental. Demuestran que la separación del cuerpo con la naturaleza y con el cosmos no es una idea homogénea, aunque si hegemónica, y que en ciertas ocasiones se activan mecanismos que permiten a las personas reconocer su sustancia como parte de un todo. Estos casos, además, desdibujan las fronteras disciplinares al reflexionar desde el relato y la fiesta, la literatura y la antropología, la teoría y el baile, lo popular y lo patrimonial, lo endógeno y lo exógeno, lo académico y lo artístico.

A propósito del 120 aniversario del natalicio de Pablo Palacio, se propone una lectura jurídico-crítica de su obra a partir del análisis de Un hombre muerto a puntapiés, El antropófago, ¡Señora!, El cuento y Vida del ahorcado. El estudio se inscribe en la intersección entre literatura y derecho, con el objetivo de examinar cómo la narrativa palaciana problematiza las nociones de norma, transgresión y culpabilidad. A través de personajes situados en los márgenes de la racionalidad social y jurídica, Palacio construye una poética de la desviación que cuestiona los presupuestos sobre los cuales se sostienen los discursos normativos. Sus relatos no solo representan las “conductas anómalas”, sino que desestabilizan las categorías tradicionales del derecho, evidenciando sus límites frente a la compleja condición humana. El análisis se centra en la forma en que la narrativa configura escenarios donde la verdad jurídica se vuelve ambigua y el ideal de sociedad se tensiona entre la aplicación de la norma y la comprensión de lo humano. Asimismo, se examina el papel del lenguaje en la construcción de lo jurídico, entendido no solo como instrumento técnico, sino como dispositivo que produce y legitima determinadas formas de realidad. Desde esta perspectiva, la obra palaciana permite repensar la sociedad más allá de su dimensión estrictamente normativa, abriendo un espacio de reflexión crítica sobre los fundamentos, alcances y contradicciones propios del sistema que la regula. Así, la literatura constituye un campo privilegiado para explorar las fisuras del discurso jurídico y proponer una comprensión más humanizada de la justicia.

A partir del análisis de la antología Lírica Lojana (1987), compilada por Fausto Aguirre Tirado se indaga la representación de las autoras en el canon poético local y regional. Aguirre establece tres generaciones poéticas entre 1924 y 1983, dentro de las cuales la presencia femenina resulta minoritaria. En la primera generación, que agrupa a diecisiete autores, solo una es mujer. En la segunda generación de veinte y un nombres se reflejan solo cinco femeninos. Mientras que, en la última generación, de diecisiete autores, seis son mujeres. A partir de los datos recopilados por Aguirre se hace un recorrido a través de las antologías más representativas, como: Antología poética de autores lojanos (2011), Encuentro Nacional de Poetas (2014), Sensaciones Oníricas. Antología ecuatoriana de poesía y relato (2017), ¿… y los poetas de Loja? Poesía e ilustración (2020), Dossier. Poesía femenina lojana (2021), Antología de poesía lojana. Cazando estrellas en insondables mares (2024). Por medio de este camino se puede explorar si las dinámicas de inclusión y exclusión cultural que han determinado la difusión de la literatura escrita por mujeres en Loja persisten hasta la actualidad. De esta manera, se propone identificar las transformaciones recientes en la producción y circulación de las voces poéticas femeninas locales, con atención al surgimiento de nuevas generaciones que articulan su escritura desde perspectivas de género, territorialidad e interdisciplinariedad. Este recorrido permite comprender la evolución de las prácticas textuales lojanas y su aporte a la configuración de una literatura ecuatoriana más equitativa y plural.

Teniendo en cuenta a Benedetti y Barrera Linares, el concepto de egoteca no se cierra al archivo de la producción del yo autorial, sino que se expande a la recepción crítica que aparece en diversos dispositivos comunicacionales: páginas web, periódicos, libros, prólogos, notas de prensa y otros soportes. En el caso de Gilda Holst, cuentista guayaquileña, sus relatos se han incorporado al aula universitaria de la asignatura de Lenguaje y pensamiento en la UCSG. Esto implica examinar cuáles quedan dentro y fuera de la elección. De este modo, la presente ponencia ubica los talleres de lectura colectiva como una estrategia para transfigurar la noción de egoteca “viva” desde la participación de estudiantes jóvenes de la universidad. Metodológicamente se articula el análisis textual de los relatos clave seleccionados con la observación in situ; es decir, las sesiones de lectura colectiva servirán de escenario para el registro de las intervenciones estudiantiles y las pequeñas producciones creativas que se deriven de la lectura colectiva de los textos de Gilda Holst. He ahí que la egoteca se deslinde progresivamente del archivo estático para convertirse un dispositivo dinámico de mediación literaria, donde la comunidad juvenil lectora co-construye el sentido de la obra a través de su participación activa en la ampliación del archivo de la autora, dentro de un entorno institucional educativo. En este marco, se busca comprender cómo estas experiencias contribuyen a la formación de lectores críticos, cómo se genera espacios de visibilización de escrituras de mujeres y posibilitan la consolidación de una egoteca colectiva viva.

“Así que, entre mi madre que me cree una fuente de novedad, y mi hija, una de problemas, que en apariencia o en definitiva, no existen, yo escribo ficciones novedosamente problemáticas de mi vida y del cuento, por supuesto” (Holst, Bumerán, p.18). La frase cae de la estantería de libros que componen la biblioteca de Gilda Holst y configura la idea de una autoegoteca en acto, donde la autora construye y comenta su propio archivo autorial desde la ironía y la contradicción que atraviesan las generaciones femeninas. La tensión en la frase nos permite aproximarnos a las preguntas que alientan este proyecto: ¿Es posible la construcción de una egoteca viva, en acto? ¿Cómo construirla desde una perspectiva de género como parte de las experiencias de lectura y escritura del aula universitaria? Siguiendo esta ruta, se propone una revisión del concepto mediante el gesto irónico de Reyes Nevárez (1974, p. 98), quien refiere la egoteca como el “viaje alrededor del propio ombligo”, afirmación presente en la reflexión de Mario Benedetti como “esa parte de la biblioteca en la que todo escritor junta las distintas ediciones de sus propias obras, así como sus traducciones a diversas lenguas, y otros oropeles” (2002, p.71). El concepto aparece también en el trabajo de Luis Barrera Linares. Convertida en categoría crítica sistemática, revela el orden de la narrativa venezolana como fundamentalmente masculinizada. Esto incita el interés por pensar el archivo de modo relacional participativo y comunitario, que no reduzca la autoría a la persona que escribe, sino que vea como esta se constituye en una función discursiva que regula cómo el discurso es recibido, distribuido y legitimado dentro de una cultura (Foucault, 1969 pp. 73-104). Así, la lectura colectiva pública de los cuentos de Gilda Holst en el aula universitaria en la asignatura de Lenguaje y pensamiento de la UCSG, se busca experimentar, desde un enfoque de género, la noción de egoteca colectiva como un archivo ampliado y vivo que trasciende lo bibliográfico y se inscribe en cuerpos, territorios y comunidades lectoras.

La presente ponencia se centra en el análisis de la egoteca de la escritora ecuatoriana Gilda Holst. Asumida como archivo autorial situado y marcado por relaciones de género, la egoteca se entiende aquí como el conjunto de huellas materiales y simbólicas que un campo produce sobre quienes escriben -en este caso literatura-. Por ello la pertinencia de pensar la egoteca desde un enfoque de género, pues se abre la oportunidad para revisar el archivo como un espacio de disputa por el capital simbólico y la legibilidad de ciertas voces. Según Helen Cisoux, los pensamientos y los sistemas culturales están estructurados a través de oposiciones duales jerarquizadas, como superior/inferior, hombre/mujer, naturaleza/cultura, que ordenan todos los conceptos, valores y sistemas simbólicos, incluyendo arte, religión, familia y lenguaje. Estas oposiciones funcionan en un movimiento dialéctico donde buscar dar sentido implica desmantelar estas relaciones. En este sentido, la literatura, es una manifestación en donde lo real y simbólico transitan en un cuerpo-texto que reproduce categorías y efectos de los sistemas culturales. De esta forma, la narrativa de Gilda reproduce las tensiones presentes en los signos y las representaciones de un régimen patriarcal, en donde lo disruptivo es el signo que enmarca la apuesta de Holst. Lo fragmentario, los juegos del lenguaje, la comunión entre lo real e imaginativo caracteriza los esfuerzos por construir la egoteca de la autora guayaquileña. La búsqueda en los márgenes, en las huellas del cuerpo-texto legitiman la voz plural de la autora. En la indagación del archivo local, vale preguntarse: qué elementos se canonizan, cuáles permanecen en los márgenes y qué lugar ocupan en él quienes leen.

Esta investigación teórica reflexiona sobre la producción de cortometrajes universitarios en Ecuador como espacios de formación audiovisual, experimentación creativa y construcción de memoria cultural dentro del cine ecuatoriano contemporáneo. En los últimos años, se observa una creciente tendencia entre jóvenes realizadores a utilizar el audiovisual como medio de expresión de subjetividades, experiencias personales, conflictos familiares y problemáticas sociales. En este contexto, el cortometraje estudiantil deja de funcionar únicamente como un ejercicio académico o técnico y se convierte también en una forma de representación generacional y exploración creativa de la experiencia individual y colectiva. El problema de investigación surge de la escasa atención que han recibido las producciones audiovisuales universitarias dentro de los estudios sobre cine ecuatoriano y patrimonio audiovisual, pese a constituir registros significativos de procesos formativos y transformaciones culturales contemporáneas. A ello se suma el riesgo de pérdida de estos materiales debido a problemáticas como el cambio tecnológico en los medios de soporte y almacenamiento audiovisual, un problema presente históricamente en el cine ecuatoriano desde la desaparición de las primeras películas realizadas por Augusto San Miguel. La investigación se justifica por la necesidad de reflexionar sobre el valor pedagógico y patrimonial del cortometraje universitario. El trabajo utiliza un enfoque cualitativo basado en revisión bibliográfica y reflexión teórica. Como marco conceptual, se incorporan las reflexiones de Paulo Freire y John Dewey sobre aprendizaje participativo y experiencial, junto con los aportes de Bill Nichols y David Bordwell sobre representación y lenguaje cinematográfico. Finalmente, se concluye que los cortometrajes universitarios constituyen espacios de aprendizaje práctico y archivos relevantes para la memoria audiovisual ecuatoriana.

Resumen La presente ponencia analiza las representaciones del espacio urbano en el cine latinoamericano de los años noventa a partir de la teoría de la producción del espacio de Henri Lefebvre. Desde un enfoque interdisciplinario que articula estudios urbanos, culturales y cinematográficos, se propone comprender el cine como una práctica capaz de producir imaginarios urbanos e intervenir en la memoria colectiva.

El estudio se centra en Ratas, ratones y rateros (Sebastián Cordero, 1999), obra fundamental del nuevo cine ecuatoriano. Se examina cómo la película construye una imagen de Quito y Guayaquil, marcada por el desplazamiento, la fragmentación territorial y la precariedad cotidiana, a través de espacios como la calle Ipiales, barrios deteriorados y rutas interurbanas. Estas representaciones dialogan con procesos de expansión periférica y de diferenciación socioespacial ocurridos en el Ecuador durante las décadas de 1980 y 1990.

El análisis se sitúa en un marco comparativo con películas como Pizza, birra, faso, La vendedora de rosas y Amores perros, pero sostiene que el caso ecuatoriano revela configuraciones propias de la marginalidad, la movilidad precaria y la violencia urbana. A partir de Lefebvre, se plantea que el cine convierte la ciudad en un espacio vivido en el que se hacen visibles las tensiones entre planificación, exclusión y experiencia cotidiana. De este modo, el cine ecuatoriano funciona como un dispositivo de lectura crítica y como productor de memorias e identidades urbanas que continúan moldeando la manera en que las ciudades ecuatorianas son imaginadas dentro y fuera del país.

Nota del Comité Científico: El presente resumen ha sido reducido y editado por el Comité Científico con el fin de adecuarlo a la extensión y al formato establecidos para su publicación en el programa del congreso.

El nuevo cine ecuatoriano ha comenzado a explorar dimensiones de la psique y la estructura social que antes permanecían en la periferia del imaginario visual nacional. En el largometraje Lo invisible (2021), la depresión posparto no solo funciona como un eje temático clínico, sino como un lente que revela una invisibilización compartida desde distintos estratos. La protagonista, representante de una élite que encarna a una "nación enferma", experimenta una cosificación que la aliena de su entorno.

Lo relevante de la propuesta de Andrade es que este estado de vulnerabilidad permite reconocer a otros sujetos invisibilizados: el personal de servicio doméstico de origen indígena. A diferencia de la protagonista, estos personajes son los poseedores de una salud mental y una integridad que contrastan con el vacío emocional de la clase alta. El presente trabajo analiza cómo la película utiliza la imagen y el espacio para construir una metáfora de la crisis social, donde los sujetos históricamente marginados por el racismo y el clasismo son, paradójicamente, quienes mantienen la sanidad y la conexión con la realidad, planteando así una necesaria descolonización de la mirada sobre la alteridad en el Ecuador contemporáneo.

La sed de las islas es un trabajo poético que sigue la estructura de la Odisea. El poemario se conforma de 24 poemas al igual que los cantos del poema clásico. En cada una de estas entradas, la voz poética avanza en una travesía por ínsulas, territorios en los que los cuerpos de las infancias son arrasados por las violencias: trabajo sexual, desapariciones forzadas, explotación laboral infantil. El sujeto lírico no padece de nostos por el retorno a un territorio, puesto que no hay manera de reconocer en estos espacios algún sentido de hogaro país; al contrario, subraya la extrañeza ante el horror, el ser testigo de las violencias que un estado opera y ejecuta destrozando a los niños/as, adolescentes en el camino de la construcción de sociedades postcapitalistas. Mientras avanza el viaje, la voz poética reconoce que los que esperan, son aquellos quienes conforman la geografía del dolor.

Wabi Sabi es un proyecto musical que trasciende la interpretación convencional para presentarse como un organismo vivo con identidad propia. Nuestra propuesta se fundamenta en la filosofía de la coexistencia y la aceptación de lo imperfecto como motor creativo. En este ensamble, cada intervención artística es una manifestación irrepetible donde los músicos no solo ejecutan piezas, sino que interactúan como células de un sistema dinámico. Buscamos revalorizar la belleza de la impermanencia y la textura orgánica del sonido puro, permitiendo que el error y la espontaneidad formen parte del discurso estético. El resultado es una experiencia sonora donde el ensamble respira y evoluciona en tiempo real, invitando a la audiencia a presenciar un proceso de creación honesto, crudo y profundamente humano. Postulamos a esta muestra para compartir una visión donde la música es el lenguaje de lo incompleto y lo auténtico.

En noviembre de 2025, la editorial Nueva York Poetry Prese (EE.UU.) publicó mi antología personal <em>Ritual efimero el fuego eterno</em>, en su colección "Piedra de la locura". MI propuesta es un recital performático basada en dicha antología. El recital incluye lectura a dos voces, proyección de fotografías en diálogo con los poemas, lectura dramatizada y otros movimientos escénicos.